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Sara Rubayo, también conocida como La Gata Verde en Youtube, es Licenciada en Historia del Arte, con máster en coordinación de exposiciones. Cansada de los grises discursos académicos y del tono soporífero con él se acostumbra a transmitir esta materia, decidió compartir con el resto del mundo su forma de entender la historia del arte. En 2015 abrió su canal en YouTube donde acerca la historia del arte a personas de todas las edades de forma divertida, pero rigurosa y cuenta ya con más de 100.000 suscriptores.

Investiga, escribe, comunica, graba, edita y difunde contenido de calidad que va desde los grandes clásicos de la pintura hasta las últimas tendencias del arte. Su labor divulgativa se centra también en Instagram y Twitter dónde comparte post, stories e hilos en torno al arte desde puntos de vista originales.

Pone especial atención al rescate de mujeres a las que la historia del arte había relegado a un segundo plano. El resultado es “pintorAs”, fruto de la búsqueda y ordenación cronológica  de artistas mujeres bajo una sola premisa: “todas dentro y ninguna fuera” por corta que fuese su biografía. 

Para financiar su actividad ha creado junto a su equipo un Curso completo de Historia del Arte, organiza visitas guiadas al Museo del Prado y colabora puntualmente con instituciones impartiendo charlas y conferencias.

Cem A. es un artista y comisario con formación en antropología. Es conocido por dirigir la página de memes artísticos @freeze_magazine. Desde su creación en 2019, @freeze_magazine se ha convertido en una herramienta para colaboraciones creativas entre Cem y otros artistas, investigadores y organizaciones. Su trabajo explora temas como la supervivencia y la alienación en el mundo del arte, a menudo a través de una lente hiperreflexiva.

Entre las exposiciones seleccionadas se incluyen documenta quince, Kassel (2022) y las exposiciones individuales Hope You See Me as a Friend en el Barbican Centre, Londres (2022); Pleased to Announce... en Versus Art Project, Estambul (2022) y The Party en Weserhalle, Berlín (2021). Ha impartido conferencias en HeK Haus der Elektronischen Künste, Basilea; Universität der Künste, Berlín; Royal College of Art y Central Saint Martins, Londres. Su obra ha aparecido en The New York Times, The Art Newspaper y Dazed Magazine.

"Licenciado en Humanidades y en Publicidad y Relaciones Públicas por la Universidad de Navarra, y Master en Gestión y Políticas Culturales en la City University de Londres, lleva más de diez años como responsable de comunicación digital del Museo del Prado.

A partir de 2017 desarrolla una estrategia de vídeos en directo diarios a través de Instagram, consiguiendo gran éxito de audiencia y logrando que The New York Times la recomiende como una de las 5 cuentas de arte a seguir. También organiza eventos digitales y realiza campañas en medios sociales, por los que el Museo del Prado ha sido premiado en varias ocasiones, como en los Webby Awards de la International Academy of Digital Arts & Sciences, galardón que celebra la excelencia en Internet.

En 2020 lanza la cuenta de la Institución en TikTok, consiguiendo millones de visualizaciones y liderando la presencia de los grandes museos internacionales en dicha red. Fruto de ese trabajo, la cuenta del Prado ha recibido recientemente el premio ForYouFest de TikTok, en la categoría de contenido educativo. En octubre de 2022 la revista internacional Blooloop lo incluye entre los 50 Museum Influencers que están potenciado el desarrollo de los museos a través de la innovación y la creatividad.
 

Ornella Pocetti nació en Buenos Aires en 1991. Estudió Artes Visuales en la Universidad Nacional de Arte de Buenos Aires, formándose paralelamente en diversos talleres y programas. En 2015 presentó su primera muestra individual en la galería Acéfala de Buenos Aires y en 2019 fue becada por el reconocido Programa Artistas x Artistas. También forma parte del grupo artístico "Viento Dorado" y realiza ilustración editorial infantil. Sus obras han sido seleccionadas en el concurso Salón Nacional (2021), Salón Félix Amador (2018 y 2019) en el Fondo Nacional de las Artes (2018), Premio Itaú (2019), Rosario Castagnino - Macro Salón Nacional (2018) y en el X Premio Nacional de Pintura Banco Central (2017), recibiendo una mención en los últimos cuatro.

Gema Polanco (Valencia 1992) es artista visual. Su obra, orientada a la instalación, integra también lo textil, el dibujo, la música y lo fotográfico. Esta cuestiona la herencia femenina que aprisiona a las mujeres y las categoriza, siempre buscando nuevos lugares, alter egos, que den lugar a ser quienes queremos ser. Apropiándose y aliándose con estéticas punks, lo rebelde y espontáneo para que nuevas formas de cuidado, honestas, accesibles y pacíficas sean posibles.

Licenciada en Fotografía en el London College of Communication (Londres,2015), posgrado en máster PHotoEspaña (Madrid, 2016) y Máster de Artes Visuales y Educación en la UB (Barcelona, 2017). Su obra se ha expuesto en festivales como Circulation(s) en Paris, PhotoEspaña, PhotoAlicante, Art Nou, Loop Barcelona, Miami New Media Festival en Miami y Aragon Park.

Recientemente ha formado parte en la exposición Punk Beginnings 2022 en la Galería Jorge López (Valencia), ha comisariado la exposición "Sonido Madrid: Trance en las salas", ha recibido el premio Circuitos 2022 de la Sala de Arte Joven, ha recibido la ayuda extraordinaria de Matadero crea y ha participado en la exposición El Arca en el centro de cultura contemporánea Condeduque (Madrid) comisariada por Pia Ogea, Ahora mismo: todo está por hacer y todo es posible comisariada por Chus Martinez y Rosa Lleó en Arts Santa Mónica (Barcelona) Paralelamente Gema Polanco trabaja como directora de arte, directora de cine, curadora y estilista principalmente en la industria musical. Además es la fundadora de Navaja Automatica transformando cultura visual que genera la música en moda, estampados y fanzines bajo el legado D.I.Y desde 2017.

Eloy Arribas (Valladolid, 1991) es licenciado en Bellas Artes en Salamanca en 2014. Su primera exposición individual se produce en el Da2 de Salamanca, en 2016. Sus obras han sido exhibidas en exposiciones individuales y colectivas en galerías de Nueva York, Madrid, Barcelona o Copenhaghe y forman parte de colecciones como la Colección Rucandio. Su trabajo no trata de verbalizar, sino de ilustrar. Ilustrar esa serie de ideas difícilmente expresables que, por su carácter emocional, solamente pueden ser abarcadas totalmente de manera sensible: el éxito, el odio, la rabia, la envidia, los celos, el amor, el fracaso, la sexualidad, la muerte, la pasión, la alegría; la fiesta, la pelea, los conciertos de música, las relaciones de pareja, el comportamiento destructivo. Pretende aludir a su contenido, olvidar el nombre, para reconstruir plásticamente su cuerpo y sugerir posibles formulaciones nominales que se manifiesten en la mente del espectador de forma oculta y subliminal. Trata de construir realidades tangibles, escenografías, a través de la destrucción de los conceptos lingüísticos que les sirven de referente.

Maite Borjabad López-Pastor es comisaria, arquitecta e investigadora cuyo trabajo gira en torno a diversas formas de prácticas espaciales críticas que abarcan la arquitectura, el arte y la performance. Tras haber trabajado como comisaria en importantes instituciones culturales de gran tamaño, como el Museo Guggenheim Bilbao, el Instituto de Arte de Chicago y el Museo Metropolitano de Arte, describe su práctica curatorial como una "infiltración institucional" que se desarrolla en la intersección de estas disciplinas, así como de los estudios museísticos y la crítica institucional. Entre los proyectos más recientes de Borjabad se encuentran Sections/Intersection: 25 Years of the Guggenheim Museum Bilbao Collection (2022), una importante reinstalación de la colección, y  la performance de lugar específico de Cecilia Bengolea: Dance of the Mutating Materialities (2022). . Anteriormente fue  Comisaria Asociada de Arquitectura y Diseño  en el Instituto de Arte de Chicago, donde se ocupó de la colección contemporánea y dirigió iniciativas fundamentales de investigación y adquisiciones para redefinir las estrategias de coleccionismo desde que se incorporó en 2017. En sus cinco años en el cargo también comisarió varias instalaciones y exposiciones significativas, como las de Basel Abbas y Ruanne Abou-Rhame: If only this mountain between us could be ground to dust (2021), PHANTOM. Mies as Rendered Society (2019), My Building, Your Design: Seven Portraits by David Hartt (2018), Designs for Different Futures (2019-2021, comisariada conjuntamente con el Philadelphia Museum of Art y el Walker Art Center), Past Forward: Colección de Arquitectura y Diseño (2017-en curso). Otros proyectos como comisaria independiente incluyen la exposición y el libro Scenographies of Power: Del Estado de Excepción a los Espacios de Excepción (2017) en La Casa Encendida, Madrid, y Wet Protocols (2018) en MAO, Liubliana. 

También ha sido profesora en la Universidad de Pensilvania, la Universidad de Illinois Chicago y la Universidad de Columbia y ha compartido sus investigaciones en importantes foros como el Fitch Colloquium de la Universidad de Columbia (2017) - Ex-Situ: On Moving Monuments donde presentó "Coleccionismo de arquitectura y edificios en movimiento". Los escritos de Maite han aparecido en reconocidas revistas como Harvard Design Magazine como su artículo, "Rerighting" History:The Benito Juarez Community Academy y su trabajo ha sido celebrado en importantes medios como New York Times, Chicago Tribune, PIN-UP, Domus, Artforum, Hyperallergic, Terremoto Magazine, La Tempestad o El Cultural. 

Miguel Ángel Cajigal Vera es historiador del arte, profesor y divulgador cultural. 

Colabora en el programa de divulgación histórica El condensador de Fluzo de La 2 de Televisión Española​, en el programa Julia en la Onda de Onda Cero y en el programa Galicia por diante de Radio Galega. Es autor de Penguin Random House, donde publicó en 2021 su primer libro, Otra Historia del Arte, que ha alcanzado seis ediciones. En 2022 recibió el Premio EDE como Mejor Educador Digital de España en la categoría de Historia.

Es miembro del Consejo Internacional de Monumentos y Sitios (ICOMOS) y del Consejo Internacional de Museos (ICOM) y desarrolla su principal actividad profesional como educador de museo.

Ela Fidalgo ha desarrollado su técnica utilizando bordados, acrílicos, telas, óleos y ceras. Su obra abarca la pintura, la escultura y la instalación. En sus cuadros, Fidalgo da forma a emociones que se manifiestan desde su universo lleno de preguntas sobre el comportamiento humano más allá de los dominios de la vida y el pensamiento cotidianos. Toda la producción de la artista está fuertemente ligada a su etapa en la moda, que aplica a su obra bordando Fidalgo nació en 1993 en Palma de Mallorca. Obtuvo una beca para estudiar diseño de moda en el IED Fashion Lab Madrid, donde ganó premios como el Balenciaga Award, The Amsterdam Global Conference on Sustainability and Transparency. Durante su tercer año ganó el premio Fashion Talent en la Mercedes Benz Fashion Week Madrid y en 2018, fue finalista en el Festival d'Hyeres. Desde 2016 se ha centrado en su carrera artística, desde entonces ha realizado tres exposiciones individuales.

Manuel M. Romero (Sevilla, España, 1993), graduado en Bellas Artes en la Universidad de Sevilla, ciudad donde vive y trabaja. Su pintura se forma como un contenedor de tiempo en el que se describe minuciosamente todo lo que ha sucedido en ese espacio concreto (que es la obra) durante un periodo de tiempo determinado, mediante un largo proceso en el que los soportes y los materiales van sufriendo accidentes y mutaciones.

Ha participado en exposiciones colectivas tales como: "Entre las formas que van hacia la sierpe y las formas que buscan el cristal" en el CAAC o "Tocar la tierra" en el C3A; así como exposiones individuales: "En el cero de la forma" en la Sala Santa inescrupulosos bajo el programa Iniciarte o "Negro Hueso" en galería Artnueve .

Alejandra Castro Rioseco, fundadora del Museo Virtual MIAANYWHERE, es la primera mujer sudamericana que forma parte de la Junta Directiva de la Federación Internacional de la Sociedad Chopin, con sede en Varsovia (Polonia). Su amor por las artes la llevó a integrar la Junta del Museo del Barrio en NYC desde 2015-2019, el Comité de adquisición de arte de América Latina para el Museo Guggenheim con sede en NYC y desde 2020 integra el Comité de adquisición de arte del Guggenheim de Oriente Medio. Es fundadora del proyecto "Exiled for the Arts, NYC". Forma parte del Consejo del prestigioso ballet internacional José Limón, cuya misión es la educación de niños y jóvenes a través de la danza en el mundo.

Anteriormente fundó la Fundación Mujer Opina en Chile para promover y educar sobre el desarrollo y el empoderamiento de la mujer, haciendo hincapié en la importancia de las tradiciones y lenguas indígenas y de las primeras naciones a través del proyecto Las Últimas Mujeres, para salvaguardar aspectos de la milenaria cultura mapuche en Chile.

Alejandra participó activamente en la creación de la Mesa de Igualdad de Género en el Senado chileno, colaborando con organizaciones de Derechos Humanos y apoyando que la Ley del Aborto se permitiera en causas específicas predefinidas.Su compromiso con la construcción de una sociedad mejor y más armoniosa y equilibrada se expresa a través de su participación activa en organizaciones que protegen el medio ambiente, promueven la igualdad de género y fomentan la música como parte de la educación básica de los niños.

Yann Leto (1979, Burdeos) es un artista francés afincado en España desde 2007. Su pintura es densa y detallada, tiene un claro acercamiento a la crítica sociopolítica y funciona como un collage donde conviven diversos elementos tipográficos con elementos clásicos y modernos. Los encuentros entre los elementos de la obra son tan claros que los huecos y los planos “sin pintura” del cuadro desaparecen. El acercamiento sin reglas de los protagonistas posibilita un círculo visual emocional que reposiciona al ser humano en una sociedad marcada por el malestar. Casi como un coleccionista enfermizo, Leto almacena una gran cantidad de imágenes de Google y recortes de prensa en varios discos duros, un archivo visual del que se basa para crear su propio universo.

Dorian Batycka es un periodista especializado en tecnología y cultura residente en Varsovia. Actualmente colabora con CryptoSlate, pero anteriormente lo ha hecho con Artnet News, Artforum, the Art Newspaper y CoinDesk.

Artista nacido en 1977. Inicialmente explorador de espacios urbanos, ROSH agudiza su mirada a través de la práctica del graffiti en los lugares en transición de su Elche natal. La línea se convierte en su obsesión. La pandemia le obliga a replantearse su relación con el espacio y la creación. ROSH recurrirá entonces a sus archivos de imágenes de las ciudades que ha atravesado, formas, colores, para crear un lenguaje nuevo, aleatorio, en ruptura con las composiciones preestablecidas. La improvisación se hace total. Fascinado por el Free Jazz, inventará, utilizando la herramienta informática, un programa que le permita una nueva expresión, libre y deconstruida. El artista se precipita en esta brecha abierta para explorar otro imaginario. Compositor e intérprete autónomo a la vez, ROSH da a ver en sus obras otro ritmo de las ciudades, otra vibración de las líneas.

Historiadora del Arte, Coordinadora y comisaria del programa artístico del CCA Andratx (Mallorca), así como del Programa Internacional del Residencias para Artistas del CCA, desde 2015. Recientemente ha comisariado las exposiciones “Endemic Creatures” de Stefan Rinck (2022), “Elementum” (2021) o “Stitch in the Aether” (2019) y ha co-coordinado, entre otros, el proyecto expositivo “The Last Cowboy is Dead” de Aguirre Schwarz (aka ZEVS) (2021). Asimismo, ha colaborado como jurado en los Premios artísticos “Untitled Art x CCA” (2022) y “Premios y Becas Pilar Juncosa y Sotheby’s” (2002) y es miembro del Comité de MedGardens Environmental Art Projects.

Artista, nacido en 1978. El eje central de la obra de Santiago Talavera es la reflexión sobre la condición humana a través de la investigación del paisaje y sus posibilidades simbólicas, narrativas y espaciales. Comenzó a explorar la catástrofe natural como metáfora a través de la instalación y serie Llegar a ser Oceáno en2006, que mostraba casas abandonadas y tsunamis. El color desempeña un papel importante y el rosa, desde el cerise hasta el pastel bubblegum, se ha convertido en una seña de identidad de su obra. La ausencia del ser humano en sus obras, unida a una atmósfera íntima y absurda en la que pasado y futuro parecen entremezclarse, acentúan la necesidad de reflexionar sobre el lugar que ocupamos, más que como meros observadores.

Artista nacido en 1989. Ignacio Lobera elabora su creación primero a través y en torno al dibujo.La línea está en el centro de una investigación donde los elementos gráficos se condensan para reforzar la expresividad del rasgo. A lo largo de su investigación, materiales y soportes se mezclan en una composición donde la figura humana ocupa un lugar central. El propio artista se convierte en objeto de estudio en una perspectiva alternante, donde las preguntas y las dudas se incorporan a siluetas espectrales. Del papel a la escultura, los cuerpos se despliegan en un movimiento constante y ocupan un espacio singular donde interior y exterior se funden. En busca de lo insondableíntimo, Ignacio Lobera sigue un gesto azaroso y recorre una realidad sensible donde cuerpo y espacio emergen.

Izam Zawhara es director de una galería de arte contemporáneo Zahara Alejandro, marchante de arte, comisario y asesor. Sus habilidades se extienden al diseño de exposiciones y la gestión de obras de arte, ayudando a los artistas a desarrollar carreras que evolucionan. 

Como marchante de arte ha trabajado asesorando a coleccionistas muy establecidos como jóvenes, instituciones y corporaciones. También es colaborador para la Universidad de Cincinnati y la Escuela de Arquitectura de la Universidad Politécnica de Puerto Rico. Aunque actualmente no es parte de, fue fundador de la feria MECA.

La obra de Avelino Sala (1972) le ha llevado a cuestionar la realidad cultural y social con una mirada crítica y poco cómoda en un continuo explorar el imaginario social y político. Sus proyectos explotan la capacidad del arte para generar espacios de experimentación que den lugar a nuevas realidades. Sala es uno de los referentes españoles del arte como resistencia política. En su producción está presente una suerte de poética que contiene una reflexión sobre los poderes estatales y el control que estos ejercen. Su estética contundente añade fuerza a un discurso tan necesario como poderoso. 

Desde la década de los 2000 Sala trabaja en el contexto global del arte contemporáneo, exponiendo y participando en Bienales e instituciones como la Bienal del Fuego de Caracas (2006), VideoZone V Bienal de Vídeo Arte de Tel Aviv (2010), Nightcomers, 10 Bienal de Estambul (2007), Bienal del Fin del Mundo (2011), Bienal de Istmo Centro Americano de Guatemala (2014) o la Bienal Sur, Juntos aparte (2019). Su trabajo se presenta en 2020 en un gran proyecto en el Centre del Carmen de Valencia donde se desarrollan los temas en los que lleva años trabajando: las migraciones, la dislocación contemporánea, la crisis medioambiental y las paradojas del capitalismo.

Un día Matt Furie dibuja una rana con los pantalones bajados, la sube a internet e inesperadamente se convierte en "meme". Matt se da cuenta que ha perdido el control y, cuando en la primera campaña electoral de Trump la rana se convierte en un símbolo del odio de la ultraderecha, decide enfrentarse para recuperar la inocencia de su creación. Una historia increíble que nos acerca a dos realidades absolutamente actuales: el poder incontrolable de las redes sociales y la división social y política EEUU (y del mundo). La historia de las redes sociales los últimos veinte años y de EEUU los últimos diez, a partir de una inocente rana que se bajaba los pantalones ante un WC. La vida es así de extraña. Verlo para creerlo. Una película visionaria, actual y necesaria ganadora en Sundance.