URVANITY MAHOU TALKS

Sobre los Ponentes

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  Óscar Hormigos

  Óscar Hormigos (@eternaloscar) nació en Madrid en 1973. Se licenció en Comunicación por la Universidad Complutense de Madrid y no se ha callado desde entonces.

  En 1997 con tan solo 24 años se  convirtió en socio y director de WYSIWYG. Desde ese año y hasta el 2001, la agencia ganó multitud de premios por su creatividad (Cannes, San Sebastián, New York, FIAP, AMPE) y Óscar  no se perdió ni una cena de gala.

  En el verano de 2001 creó la agencia de comunicación interactiva Zentropy para McCann-Erickson WorldGroup. Entre los clientes de Zentropy hay compañías como  Barclays, Coca-Cola, Dell, Loewe, Lois, Microsoft, Nokia, Telefónica y Volkswagen…

  En Julio de 2010 junto a su amigo David Cantolla fundan Wake app! que actualmente tiene su sede en Austin, USA (una empresa que crea y desarrolla aplicaciones propias desde una mirada distinta, como fue la innovadora y premiada app de Jorge Drexler) 

  Con la llegada de la nueva era APP, Oscar crea en Octubre de 2010  The App Date, con presencia en 7 países se convierte en el lugar de referencia dónde hablar de innovación, apps y realidad extendida (AR/VR/MR) .

   

  Actualmente Oscar Hormigos es director general de Onkaos un proyecto de Colección SOLO  que impulsa la creación artística a través de las nuevas tecnologías. 

  Onkaos funciona como una plataforma que ayuda a los artistas que trabajan con las nuevas tecnologías en la conceptualización, producción de obra, ayuda legal, certificación, preservación digital, estrategia de marketing y comercialización entre otros. Forma parte de esta plataforma en la actualidad artistas como Mario Klingemann, Smack, Novak Zen o Koka Nikoladze capaces de sorprendernos, generarnos curiosidad y llevarnos a lugares donde nunca hemos estado antes.

  Colección SOLO es un proyecto que impulsa el acompañamiento y la divulgación de la escena de arte contemporáneo internacional creado por Ana Gervás y David Cantolla. 

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  Ampparito

  Ampparito (Madrid, 1991) desarrolla su práctica artística principalmente en el espacio público. Por medio de un lenguaje basado en la alteración de la normalidad y los elementos cotidianos busca generar situaciones extrañas, acciones, que den pie desde la reflexión a la contemplación estética o la indiferencia.

   

  En la mayoría de los casos realiza sus intervenciones de manera independiente. Ha trabajado en lugares muy distintos, desde zonas rurales en Castilla y León a ciudades como Oslo, Dubái, San Petersburgo, Milán o Basilea.

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  Paco Pomet

  Ironía, escepticismo y sobre todo humor habitan el universo de Paco Pomet (Granada, 1970). Con una técnica brillante, crea obras monocromo con puntos de luz focalizados que las hacen arder en llamas a todo color. Incorpora elementos como soles y lunas resplandecientes que dan brillo al juego de blancos y grises. 

   

  Siendo clave en la estela del arte figurativo moderno europeo, Pomet ha participado en eventos como Dismaland (2015) - comisariado por Bansky - así como colaborado con artistas internacionales como Takashi Murakami. Su obra se encuentra en la Academia de España en Roma, la Colección Benetton, la Colección DKV, la Colección SOLO, el IVAM y The Patchett Collection, entre otras.

   

  Representado en Urvanity 2021 por: My Name’s Lolita Art.

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  Sergio Mora

  Sergio Mora (Barcelona, 1975) es un caleidoscopio atrevido, incisivo, psicotrópico y colorido. Este artista multidisciplinar, su prolífica obra, nos transporta a mundos subversivos de criaturas fantásticas plasmadas en cualquiera de su producción: pintura, ilustración, video, cómic, performance, entre otros. Un imaginario ilusionista con la que descubrimos una mitología brillante mezclada con la fantasía y lo espectacular. 

   

  Su decálogo artístico personal y sobre todo su idiosincrasia pictórica, le han convertido en el máximo exponente del surrealismo pop en la península, llevándolo a exponer internacionalmente, editar libros, publicar en numerosas revistas, realizar campañas publicitarias y contar con otras colaboraciones.

   

  Representado en Urvanity 2021 por: Cerquone Gallery.

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  Bjørn Van Poucke

  Durante los últimos quince años, Van Poucke ha estado a la vanguardia del arte callejero para lograr una mayor aceptación por parte del público y del mundo del arte. 

   

  En 2011, organizó el primer festival belga de arte callejero y desde entonces ha participado en la creación de más de 250 murales solo en Bélgica. En 2016, la ciudad de Ostende se puso en contacto con él para desarrollar lo que se convertiría en el principal evento de arte callejero del país, The Crystal Ship. El festival está ahora en su sexta edición, con Van Poucke todavía al frente.

   

  Tras ser autor de dos libros superventas sobre el tema, Street Art Today (2016) y Street Art Today 2 (2019), el comisario cofundó el centro creativo All About Things, que acopla a artistas electrizantes con marcas y ciudades. 

   

  También gestiona la Ruby Gallery, un garito en Bruselas para artistas tanto emergentes como consagrados a los que les gusta hacer las cosas de forma un poco diferente. Además, Van Poucke es un ponente habitual en festivales y ferias de arte – de París a Miami – así como en universidades.

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  Nicolás Romero (Ever)

  Nicolás Romero (Buenos Aires, 1985) comenzó hace veinte años firmando “Ever” y haciendo graffiti en las calles de su Buenos Aires natal, una ciudad que vivía la resaca de una dictadura militar que había durado ocho años y que en esos momentos entendía el arte en la calle como una expresión de libertad. Se alejó del graffiti para comenzar a desarrollar un trabajo mural con el que experimenta y juega con su carga simbólica en su enfrentamiento con el espacio público.

  
  En la actualidad, Nicolás viene desarrollando su trabajo en torno a las “Naturalezas Muertas”, con las que a través de la unión de elementos ha encontrado una forma de utilizar la imagen a modo de reflexión social e investigación antropológica. Trabaja a través de huellas que encuentra en su contexto más inmediato, resultado del entramado social y símbolos nacidos de la coexistencia de factores sociales, culturales y económicos. Desde botellas de refrescos a estampas religiosas, símbolos políticos, iconos contemporáneos o algo tan aparentemente inocente como frutas y verduras forman parte de estas composiciones que utiliza como puente para hablar de realidades más complejas.

   

  Representado en Urvanity 2021 por: Ruby Gallery.

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  Juan Díaz - Faes

  El artista español Juan Díaz - Faes dice que "dibuja, come y ríe a partes iguales". Y si deja de hacerlo, se aburre. Combinando el humor visual con formas voluminosas y un enfoque sencillo del diseño de personajes, Díaz - Faes produce atractivas creaciones en diferentes medios.

   

  Nacido en Oviedo, Díaz - Faes estudió Bellas Artes antes de trasladarse a Madrid en 2011. Actualmente trabaja como ilustrador y está realizando un doctorado relacionado con las artes creativas. Su interés por el diseño de carteles y su experiencia profesional como operador de cámara y guionista de cómics influyen en sus creaciones, que combinan hábilmente elementos gráficos y narrativos. 

   

  Además de realizar proyectos comerciales para clientes como Vodafone, Bombay Sapphire o el Instituto Goethe, Díaz - Faes colabora con la empresa de entretenimiento digital MUWOM y colabora regularmente con revistas como Yorokobu and Ling. También es profesor de ilustración en el Instituto de Diseño de Madrid. Díaz-Faes es coautor de varios libros, como los ingeniosos “diccionarios de caca” Escacológico (2014) y Cromaticaca (2015). 

   

  En 2010, ilustró Les Puertes del Paraisu, de Ismael Mª González Arias, que recibió el Premio María Josefa Canellada de literatura infantil, y ha realizado proyectos murales en Madrid, Nueva York y Miami, entre otros. 

   

  Representado en Urvanity 2021 por: Limited by SOLO.

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  Alex Hug

  Alex Hug es la cara detrás de A HUG. Nacida en Madrid, con un bagaje multicultural, ha pasado los últimos años viajando por las capitales de Europa recogiendo conocimientos e inspiración. 

   

  Tras haber estudiado en Central Saint Martins and Parsons Paris, finalmente se graduó con honores en diseño de moda en Marangoni London and Manchester Metropolitan University. También ha cursado un Máster en Moda Sostenible en la ESMOD de Berlín. Su trabajo siempre ha destacado por su crítica a las cuestiones sociales y medioambientales. 

   

  Alex fundó en 2016 A HUG, una alternativa sostenible para la industria de la moda. En A HUG intenta transformar lo no deseado en obras de arte ponibles. Reinventando la fusión del abrazo en la ropa A HUG produce prendas bajo una filosofía sostenible en la que predomina la reutilización, el rediseño y el reciclaje.

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  Amadine Urruty

  Salchichas, momias y fantasmas de sábanas conviven con humanos con cara de perro y juguetes infantiles en los universos bellamente dibujados de Amandine Urruty. El grafito aporta una sensación nostálgica y atemporal, mientras que las extrañas criaturas de su interior nos miran con perversa ambivalencia. 

   

  Amandine Urruty, que se confesó como “la rara” en el colegio, siempre supo que quería dibujar. En 2005 realizó un máster en Filosofía del Arte en la Toulouse University, seguido de una breve etapa como vocalista de un grupo underground. Sus ilustraciones no tardaron en suscitar el interés del mundo del arte, y en 2008 se le ofreció su primera exposición individual. Desde entonces, sus dibujos se han expuesto en Europa, Estados Unidos, México y Asia, ha realizado murales a gran escala en Tailandia, Finlandia, Georgia y España, y ha publicado dos libros: Dommage Fromage (United Dead Artists, 2014) y Robinet D'Amour (Les Requins Marteaux, 2011). 

   

  Los ajetreados mundos de Urruty se nutren de su fascinación por los periodos renacentista, neoclásico y romántico, de sus variados gustos musicales y de su pasión por el lápiz y el papel. Deseosa de mantener su enfoque espontáneo y divertido, Urruty trabaja desde su cama, construyendo sus imágenes “como si deambuláramos por los callejones de un mercadillo dominical”. Baratijas visuales transformadas con maestría en deliciosos reinos imaginarios. 

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  Rita Amor

  Doctora en Ciencia y Restauración del Patrimonio Histórico-Artístico, trabaja en Londres como conservadora especialista en arte contemporáneo. Es también Licenciada en Bellas Artes y posgraduada en Conservación y Restauración de Bienes Culturales, ambos por la Universitat Politècnica de València (UPV).

   

  Desde 2010, combina el trabajo en restauración con la investigación en la aplicación de mecanismos de conservación sobre arte público independiente y Urban art. Al mismo tiempo, ha trabajado en diferentes proyectos de investigación en conservación de pintura mural, ha participado en conferencias y simposios internacionales en diferentes ciudades Europeas, y cuenta con publicaciones en español e inglés relativas al estudio de conservación y difusión del grafiti y el arte urbano. Desde 2014, ha colaborado activamente durante el proceso creativo con las artistas Patricia Gómez y Mª Jesús González, además de emplear la entrevista al artista con artistas vinculados al grafiti y arte urbano como parte de su investigación. 

   

  Desde 2018, realiza labores de comité científico y especialista en diversas instituciones y publicaciones de forma independiente. Al igual que ha sido invitada como profesor externo a dar ponencias y seminarios sobre conservación a nivel internacional en programas educativos vinculados con las Bellas Artes, Estética, Patrimonio y Conservación.

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  Ruth del Fresno - Guillem

  Ruth del Fresno-Guillem, concienciadora y conservadora de arte contemporáneo en práctica independiente, vive en Toronto, Canadá desde 2012. En la actualidad su investigación está vinculada a Performance Art y Artistas contemporáneos Indígenas. Perspectivas e Identidades de género y culturales. Su trabajo está vinculado a colecciones privadas. Ha centrado su atención en la voz del artista, le interesa especialmente la intencionalidad y establecer una conexión con el artista que le ayude a entender la idea de deterioro que preocupa a cada artista en particular. Por esta razón la entrevista se ha convertido en su herramienta principal de trabajo. Colabora activamente con VoCA, Voices in Contemporary Art, con base en NY, para los que realizó la entrevista a la artista cubana Gladys Triana enero 2020. En 2017 se doctoró en la Universitat Politècnica de València con una tesis centrada en el uso de la entrevista aplicada a un grupo de artistas emergentes. La entrevista fue también el eje de estudio en su TFM. En ese caso aplicada a tres artistas conceptuales catalanes: Àngels Ribé, Francesc Torres y Vicenç Viaplana. 

   

  Como profesional está interesada en crear conciencia sobre conservación, investigar más allá de los materiales y hacerse preguntas. Para ello participa regularmente en congresos y conferencias internacionales sobre conservación de arte contemporáneo. O congresos que nada tienen que ver con conservación, pero sí con Arte, donde ha hecho visible la disciplina de conservación a otros profesionales. Le interesa lanzar preguntas para provocar la reflexión entre profesionales del arte y artistas, por este motivo presenta charlas en el entorno universitario e institucional.

  Es miembro diversos grupos de trabajo como el Grupo Español de Arte Actual (del GE-IIC); TACG (Toronto Area Conservation Group) así como CAC (Canadian Art Conservation), AIC-CAN (American Institute of Art); INCCA y participante habitual en VoCA. TestimoniArt es su plataforma de datos con las entrevistas a más de 100 artistas www.ruthdelfresno.com.

  Cree en el conocimiento compartido, el trabajo holístico con profesionales de todas las disciplinas y el respeto. Todo ello es su lema en el trabajo y en la vida.

   

  "Lo que no conoces no te puede preocupar" es el principio que mueve su búsqueda.

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  Franco Fasoli

  Nacido en Buenos Aires en 1981, Franco Fasoli (también conocido como Jaz) es escenógrafo y muralista. El arte de Fasoli, que empezó a utilizar las calles como lienzo a finales de los años 90, está influenciado por su estudio de la cerámica durante toda su vida y por la icónica técnica del fileteado de la capital argentina. Hacia finales de la década pasada, Franco dio la espalda al grafiti tradicional y a la posterior representación de motivos musicales asociada al fileteado para introducir en su obra las vivas contradicciones de las sociedades latinoamericanas, sus rituales y su aparentemente perpetua inestabilidad.

   

  Uno de los aspectos más llamativos de su obra es la exploración de los materiales y la escala. Desde pinturas de gran formato en espacios públicos hasta obras más pequeñas en bronce y papel, su arte se nutre de la fluctuación de contextos y recursos.

  La tensión entre la cultura global dominante y las subculturas como espacios de resistencia también le ha influido tanto a nivel conceptual como en sus acciones a lo largo de su carrera. Las múltiples formas de identidad individual y colectiva constituyen la columna vertebral sociológica de su obra. Representado a través del conflicto, la confrontación y la yuxtaposición discursiva, Fasoli no pretende responder a la pregunta sino reelaborar constantemente el enunciado, cuestionando el cuestionamiento y volviendo a cuestionarse a sí mismo.

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  Inti

  Inti Castro, conocido artísticamente como INTI (“Sol” en quechua), es uno de los artistas callejeros más importantes de Latinoamérica y embajador artístico en el mundo. Procedente de una familia dedicada a las artes y la música, empezó a pintar las calles de su ciudad natal, Valparaíso, a los 13 años. Trabajar en la calle le dio libertad para explorar desde los primeros días de su práctica artística y aunque la pared era su medio natural, también realizó estudió en la Escuela de Bellas Artes de Viña del Mar. Allí adquirió el rigor y la formación de un pintor profesional. Las experiencias vitales y su práctica callejera completaron su formación. 

   

  La generación posterior a Pinochet mira ahora hacia atrás, a la cultura producida por sus padres antes y durante la dictadura, y reconoce el pasado que se ocultó durante la dictadura. Poco a poco se van reconociendo las diferentes identidades y su presencia se hace sentir más en la esfera pública. En particular, la identidad indígena que ha estado durante tanto tiempo oculta -tanto en tiempos de la dictadura como después- comienza lentamente a afirmarse.

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  Mmmm... Collective

  Emilio Alarcón, Alberto Alarcón, Ciro Márquez y Eva Salmerón.

  Mmmm... es un grupo madrileño que crea desde 1998 proyectos de arte público, acciones, objetos reflexivos, virus informáticos o modelos sociales de intercambio. Ha construido un coche de ladrillo de tamaño natural que ocupaba una plaza de aparcamiento entre dos vehículos en la puerta del Matadero. También ha esparcido entre los transeúntes del centro de Madrid 100 parejas besándose simultáneamente. Ha dispersado una orquesta que tocaba de forma sincronizada las mismas piezas musicales en calles de Washington. O ha diseñado una parada de autobús obvia en Baltimore, tres grandes letras: BUS. En 2017 llevó a cabo la acción Human Rabbits, cincuenta personas con grandes cabezas de conejo de cartón invadieron el centro de Melbourne. Los proyectos de mmmm... se han llevado a cabo, entre otros sitios, en el Museo Reina Sofía (Madrid, 2003 y 2010-2011), Instituto Cervantes (Pekín, 2007), Guggenheim Lab (Nueva York, 2013), National Library of Australia (Canberra, 2016) o el Miami Design District (Miami, 2017).

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  Takk

  Takk es un espacio para la producción arquitectónica centrado en el desarrollo de prácticas materiales en la intersección entre naturaleza, cultura, y política, con una especial atención a los retos que la era del Antropoceno plantea. Dirigido por Mireia Luzárraga y Alejandro Muiño desde Barcelona y Madrid, Takk combina sus actividades profesionales, con las de investigación y académicas. 

   

  Su obra pertenece a la colección permanente del FRAC Centre-Val de Loire y el Centro de Arte 2 de mayo. Ha sido expuesto en la Bienal de Rabat 2019, la Bienal de Orleans 2019 y 2017, la Trienal de Oslo 2016 sección Academy, y el pabellón español de la Bienal de Venecia 2014; así como exposiciones colectivas en Barcelona, Madrid y Milán, como exposiciones individuales en Viena o Barcelona. Su obra ha participado en fotos internacionales tales como GSAPP-Columbia University en Nueva York, Thailand Design Center en Bangkok o Floating University en Berlín entre otros.

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  Angelo Milano

  Nacido en Grottaglie, tras sus estudios de semiótica en Bolonia decide volver a su ciudad en la zona de la Puglia italiana, donde construye StudioCromie, un estudio de impresión muy do it yourself que más tarde se convertirá en una galería de arte. Empezó FAME, un festival de arte público no autorizado autofinanciado que se convirtió en un caso internacional. A partir de 2012 diseña y produce su marca de ropa SANGUE, distribuida en todo el mundo en una gran variedad de tiendas de alta gama que enseguida le hicieron aburrirse de la moda. Hoy Angelo sigue trabajando como galerista y colabora con varios artistas internacionales en la producción de espectáculos, instalaciones y vídeos.