UVNT MAHOU TALKS 2024

An Wei desarrolla su actividad artística a través de la pintura, pero asimilada como un medio, no como una finalidad. La entiende como algo que se expande en el espacio, más allá de los límites del lienzo y, dentro de esta expansión, incluye al espectador como un elemento más, haciéndolo partícipe o, mejor dicho, cómplice de la escena que está observando. Su interés se centra en generar entornos y experiencias inmersivas con sus instalaciones pictóricas. An Wei ha expuesto recientemente en proyectos institucionales como ‘Mudar costumbre’ (Museo Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles, 2021); ‘Templo’ (Circuitos de Artes Plásticas, Madrid, 2020), y ‘Yupi’ (Sala de Arte Joven, Madrid, 2022), así como en proyectos galerísticos como ‘Todas las partes blandas se perderán’ (Berlín y Sevilla, 2022), ‘Vis a siV’ (Pas une orange, Barcelona, 2021) y ‘Studio redivivo’ (Ex Dogana, Roma, 2019).

Esther Rizo, docente e investigadora, es miembro cofundadora del colectivo tecnoartístico XenoVisual Studies y del grupo de trabajo XenoImage Dataset en Medialab Matadero. Disfruta mentorizando iniciativas de integración de la mujer, el arte y las nuevas tecnologías como el proyecto XVS Center apoyando por el ministerio de igualdad. En 2021 publicó el libro sobre la necesaria transición del diseño centrado en lo humano al diseño centrado en la vida. En el último año, y cómo doctoranda en la UCM, investiga los imaginarios de lo extraño que emergen del uso de las tecnologías de la información. Ha formado parte del taller de investigación de Transmediale 2024 y ha publicado obras y textos xenofeministas sobre cómo lo alien y lo tecnológico se entrecruzan en la esfera visual, proponiendo nuevas formas de ver y entender el mundo, desafiando y expandiendo los límites de lo real y las ficciones del devenir.

JORDI PALLARÈS (Tarragona, 1967) lleva más de viente años instalado en Mallorca desde donde complementa su labor docente con la investigación i la curaduría. Es cofundador de INDAGUE (Asociación española para la Investigación y Difusión del Graffiti y del Arte Urbano), y socio del IAC (Instituto del Arte Contemporáneo) en su delegación en Baleares. Desde 2012, co-dirige junto a Javier Siquier VB_exposición visible, un proyecto curatorial sobre papel.

Su línea de investigación actual se centra en aquellas prácticas (artísticas) que se dan en la esfera pública, en sus diferentes maneras de (auto)representación y performatividad, especialmente en aquellas en las que el cuerpo, su movimiento y posicionamiento en el espacio determina discursos de emancipación. Un intercambio
horizontal y relacional en el que la escritura transita y las negociaciones acaban siendo necesarias estrategias de aprendizaje.

Fundadora de Global Design & Innovation Trends Unit, es investigadora, comisaria y divulgadora especializada en diseño global conectado con movimientos sociales y culturales del siglo XXI. Trabaja entre Madrid-Milán-París. Colabora como divulgadora cultural con Poltrona Frau, Bang&Olufsen, Rimadesio, &Tradition, BTicino, Lladró, Citröen, Simon Electric, Actiu, Salone del Mobile Milano, Danish Design+. Es "Design Talents and Trends Forecaster" para Maison&Objet París y dirige la investigación “Atlas de la Cultura del Diseño en España” con el Ministerio de Cultura y Deporte y con MDF. Ha sido jurado de los Premios Nacionales de Diseño en España 23-24 y de IF Design Award Alemania e impartido clases en en Poli.Design-Politécnico de Milán, donde desarrolla el Poli.DesignTrendsLaboratory, el IE University Architecture & Design y la Universidad Nebrija.

Escribe sobre diseño para El País, ICON Design, AD, ELLE Decoration o Diseño Interior y es comisaria de exposiciones sobre nuevas narrativas del diseño y la arquitectura.

Paco Barragán tiene un doctorado internacional por la Universidad de Salamanca (USAL) con residencia en la Universidad Alvar Aalto de Helsinki. Su tesis doctoral “La narratividad como discurso, la credibilidad como condición: arte, política y medios hoy” obtuvo el Premio Extraordinario a la tesis doctoral del año 2019-2020 de la USAL. Barragán ha comisariado 96 exposiciones internacionales y ha sido entre otros co-comisario de la Bienal de Praga (2005) y de la Nuit Blanche de Toronto (2016). Ha trabajado con artistas de la talla de Erwin Olaf, Santiago Sierra, Lee Bul, Juan Dávila o Tania Bruguera. Ha sido co-director del seminario “Global Art Fairs” para el Sotheby’s Institute of Art (SIA) de Nueva York (2022). Entre sus publicaciones figuran The Art to Come/El arte que viene (2002, Subastas Siglo XXI), The Art Fair Age/La era de las ferias (2008, CHARTA), From Roman Feria to Global Art Fair, From Olympia Festival to Neo-Liberal Biennial: On the ‘Biennialization’ of Art Fairs and the ‘Fairization’ of Biennials (2020, Artpulse Editions) y co-editor de The Changing Meaning of Kitsch: From Rejection to Acceptance (2023, Palgrave Macmillan).

Julieta Wibel es una obra de arte y su vida, una performance. Toda su vida ha sido una friki de las artes, llegando a ser su único y verdadero amor. Estudió Ingeniería de Diseño Industrial donde se enamoró por completo de la Estética de las Artes, a raíz de entonces compartió sus intereses en las redes sociales lo que le llevó a trabajar en dirección creativa para artistas como Dellafuente, Veintiuno, Sofia Coll…

Julieta, como divulgadora, ha tocado temas que nos atañan a nivel generacional como es la angustia adolescente, el fast fashion, la estética de la IA y, lo mucho que está a favor de dar cringe.

Como artista, no quiere ponerse límites y todo gira en torno a la exploración de sí, de otros artistas y de una generación. Si bien, ante la sociedad del cansancio, Julieta reflexiona en proyectos personales como es HEDONISMO y la necesidad de darnos unos minutos de reflexión y hedonismo consciente dentro del ojo del huracán de esta modernidad líquida.

Doctor en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid , amplía su formación de estudios en Filosofía (UNED). Especialista en arte contemporáneo, teoría de género, estética, políticas culturales y cultura visual.  Además de la experiencia docente e investigadora en el ámbito de la estética y el arte contemporáneo, ha realizado comisariados como Common People: Visiones, Versiones del Presente (2009), Viaje alrededor de Carlos Berlanga (2009), La persona y el verbo: veinte años después de la muerte de Jaime Gil de Biedma (2010), El papel de la Movida (2013), En Plan Travesti (y radical) (2018) o Flores para Juan Hidalgo (2021). Ha publicado, entre otros, los siguientes libros y trabajos de investigación: Pospornografía; Estética y comunicación en la era viral (2021); Juan Hidalgo y zaj. Arte subversivo durante el franquismo (2018); Mirar con un ojo cerrado (2018); Una temporada en lo moderno (2011) o Costus: You Are a Star (2008)

Giovanna Caruso Fendi nació en Roma, en el seno de una conocida familia de empresarios de la moda. Su madre Alda, la menor de las cinco hermanas Fendi, le transmitió una gran pasión por el arte contemporáneo. Tras estudiar Derecho, trabajó en las oficinas jurídicas de la empresa Fendi.También fue Directora Administrativa de Fendi y Fendissime. En 2000 se convirtió en miembro del Consejo de la Fundación Alda Fendi Esperimenti, con el cometido de comisaria de relaciones con artistas y promotora del desarrollo cultural de Roma. De 2004 a 2005 fue Presidenta del Consejo de Administración del sello discográfico "20th nervous breakdown" SRL. En 2011 grabó "GCF - Objects of Affection", una marca que produce objetos de diseño en series limitadas. Siempre ha tenido un vínculo especial con la ciudad de Roma, a la que ama profundamente y hoy, tras haber creído firmemente en su proyecto, es Administradora Única y Socia Fundadora de la Sociedad de Beneficencia, promotora de FOROF.

Giovanna Caruso Fendi se ha labrado un activo papel de apasionada y motivada promotora del polo cultural. "Proteger, valorizar, apoyar y promover el patrimonio artístico y cultural de Roma no es sólo un deber, sino un sentido de responsabilidad que me pertenece. Mi deseo es poder hablar con todo el mundo y difundir, nacional e internacionalmente, el lenguaje universal del arte".

La obra del ceramista Julio Galindo es una plataforma desde la que proponer una nueva mitología que explore términos como lo sagrado, lo espiritual y lo religioso. Sus piezas ponen en cuestión conceptos como la religiosidad o la santidad, tratando de actualizar estas nociones desde un punto de vista contemporáneo. Su intención es mostrar que existe la posibilidad de encontrar aspectos profundamente existenciales en nuestro entorno inmediato, lo que sin duda pasa por elevar al nivel de sagradas cosas que no lo son, pero que probablemente deberían serlo. 

Galindo estudió Bellas Artes en la Universidad de Sevilla, donde cursó las especialidades de Pintura y Grabado. Desde un primer contacto con la cerámica en Florencia, sus esculturas se han mostrado en instituciones como el Centro de Arte Tomás y Valiente, Fuenlabrada, Madrid; Centro Cultural La Carolina en Jaén o Palazzo Medici-Riccardi en Florencia. 

Ianko López es gestor, redactor y crítico especializado en cultura y artes visuales, y con anterioridad ha trabajado en el ámbito de la consultoría. Colabora habitualmente en diversos medios de comunicación escribiendo sobre arte, diseño, arquitectura y cultura. Entre las cabeceras en las que escribe destacan El País Semanal, ICON, Babelia, Vanity Fair, Traveler y El Periódico de España.

Pablo Purón Carrillo, ilustrador y Licenciado en Publicidad y Relaciones Públicas por la URJC de Madrid forma parte del equipo multidisciplinar Boa Mistura, un equipo multidisciplinar con raíces en el graffiti nacido a finales de 2001 en Madrid. Su trabajo se desarrolla principalmente en el espacio público.

"Entendemos nuestro trabajo como una herramienta para transformar la ciudad y crear vínculos entre las personas. Sentimos una responsabilidad hacia la ciudad y el tiempo en el que vivimos".

Dea Gómez (Salamanca, España 1989) y Diego Omil (Pontevedra, España 1988), licenciados en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca. Han estado trabajando juntos desde 2012 bajo el nombre de “Los Bravú”, una palabra gallega usada para referirse al olor de los animales. Han desarrollado su carrera a través de cómics experimentales contemporáneos en el que se intercalan el dibujo, la pintura, la escultura y la fotografía.

Comenzando con su residencia en la Academia Española de Roma, abrieron nuevos horizontes desarrollando un proyecto expositivo multidisciplinar que, dejando el comic a un lado, reflexiona sobre la tradicional ruptura de la historia a través de recursos estéticos y narrativos que han emergido y desarrollado dentro de los límites de internet. Abordan temas recurrentes, representaciones y retratos generacionales dentro del marco de los “millennials”. Temas como cómo la imagen pública se genera dentro de internet, cómo la realidad es vista, manipulada o codificada en el espacio digital, junto con un proceso de investigación en torno a la relación de las diferentes disciplinas artísticas y la web.

Laura Lasheras (Calahorra, La Rioja, 1979) es una de las principales ceramistas de la escena española. Trabaja la cerámica de modo experimental, creando colecciones de objetos y esculturas que juegan con el límite entre lo utilitario y lo conceptual, y que establecen una visión estética muy personal: poética y pastel pero con un punto creepy. 

Cerámica. Art Brut. Surrealismo. Tradición y modernidad.  Su obra es evocadora. Transforma la cerámica esmaltada en pura poesía. Un material milenario en formas imposibles. Es puro sentimiento. Le inspiran las experiencias personales y las vivencias del pasado. Le conmueve la cerámica antigua y el arte africano. Y es por eso que asegura que la cerámica le ha permitido conectar con su lado más primitivo. Para ella, todo el mundo tendría que trabajar con las manos. Dice que es gratificante, liberador y muy placentero. También mezcla la cerámica con materiales textiles, dice que porque le interesa la confrontación de materiales. Y ha expuesto en España y en el extranjero.París, Tokio, Miami, Washington, Seúl, Monterrey, Milán. 

Teresa Sapey se describe a sí misma como “arquitecta inclasificable”.
Es la directora general y fundadora del estudio de diseño y arquitectura internacional "Teresa Sapey + Partners", que dirige junto con su hija Francesca Heathcote en Madrid.

Nació en Italia, lleva más de treinta años diseñando espacios por todo
el mundo y lo hace siempre con el mismo leit motiv: “diseñamos espacios con sentimientos”. Teresa Sapey se licenció en Arquitectura por la Universidad Politécnica
de Turín en 1985 y obtuvo una licenciatura en Bellas Artes en la Parson School of Design de París. En 1986, el Ministerio de Instrucción Pública de Roma concedió a Teresa una beca para cursar un máster en Arquitectura, centrado en el diseño de espacios de trabajo y la ergonomía. Obtuvo el CEAA (Certificats d'Études Approfondies en Architecture) en la UPA6 (Universidad de París-La Villette) y en 1990
fundó su propio estudio en Madrid. Desde 1999 es también miembro del RIBA (Royal Institute of British Architects, Londres). Cada espacio con el sello de Teresa Sapey tiene su propia identidad, su propia personalidad, lleno de color, mezcla de texturas, materiales... Todos dinámicos y llenos de vitalidad.

Como un paisaje urbano en constante movimiento, la obra de Tilt hace inventario de las huellas de una experiencia compartida, dispersas a través del tiempo y el espacio. Descendiente de la contracultura del graffiti, Tilt crea obras en las que las fronteras entre ciudades y paisajes se funden en una pintura gestual.

Movimiento y materia se unen en una filosofía de la huella, rastreando nuestra memoria colectiva. Relacionando imágenes de los escritos murales que recoge durante sus viajes, sigue desarrollando su creatividad tejiendo vínculos entre territorios urbanos y culturales . Vínculo entre múltiples mundos, el muro como soporte y como motivo permanece en el centro de una reflexión pictórica que vacila entre la abstracción y la figuración. En la encrucijada de la interacción humana, el muro se alza como un palimpsesto insólito en el que se cruzan el pasado y el presente, y es sobre estos cimientos sobre los que Tilt crea las bases de una arqueología del futuro.

TILT ha expuesto en el Museo de Arte Contemporáneo Les Abattoirs de Toulouse y en el Museo Mohammed VI de Arte Moderno y Contemporáneo de Rabat. Sus obras forman parte de las colecciones del Mucem de Marsella, del Museo Pera de Estambul y de la Fundación de Arte Montresso* de Marrakech. En 2018, recibió el premio L'art est vivant - Promesses durante la Feria Art Paris en el Grand Palais de París.
 

Studio Animal es un estudio de diseño con sede en Madrid y Barcelona especializado en proyectos de interiorismo y arquitectura efímera. Está dirigida por Javier Jiménez Iniesta, licenciado en arquitectura por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Alicante, con matrícula de honor en 2007. Compagina su actividad profesional con la docencia y la investigación académica. Actualmente es Program Leader del Máster en Dirección Creativa de Retail del Instituto Europeo de Diseño y profesor invitado en la Escuela de Diseño Elisava y en la Universidad de Monterrey.

La Coruña. Arquitecto, crítico y editor. Como crítico y editor su trabajo se ha centrado en la exploración de la realidad contemporánea así como en la intervención en el patrimonio. Comisario/director de la XI Bienal Iberoamericana de Arquitectura y Urbanismo. Doctor internacional (PhD) con la calificación sobresaliente Cum Laude. Premio Extraordinario de Tesis Doctorales por la ETSAM en 2015. Pensionado de la Real Academia de España en Roma 2013-2014. AECID.  Ministerio de Asuntos Exteriores. Becario del programa ART_EX 2014-2015. AECID. Ministerio de Asuntos Exteriores. Crítico de arte en ABC Cultural, 

Actualmente es profesor del Departamento de Proyectos Arquitectónicos de la ETSAM. Ha sido profesor de Análisis, Teoría y Crítica en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid (ETSAM) dentro de las asignaturas de Introducción a la Arquitectura, Análisis de la Arquitectura y Master Habilitante desde 2010. Responsable de área del Máster Oficial de la UPM: MACA (Master de Comunicación Arquitectónica) y profesor en 2017-2018 del MPPAA (Master de Proyectos Arquitectónicos Avanzados). 

​Ha sido profesor de Edición y Dirección de videos musicales en la escuela TAI, e impartido talleres y seminarios en el Instituto de Cine de Madrid, en la Universidad Rey Juan Carlos y en la UZAR.Dan Barreri es un joven realizador audiovisual español.

Con una larga trayectoria en el mundo del videoclip, ha recibido el premio de la Música Independiente a mejor videoclip y un Vevo Award en 2015, el premio del público en el festival MovieScreenPro de Los Ángeles en 2019 y una nominación para los Latin America Music Awards de Telemundo en 2022.

Fernando Castro Flórez (Plasencia, 1964). Profesor Titular de Estética de la Universidad Autónoma de Madrid. Ha escrito en suplementos culturales de periódicos como El País, Diario 16, El Independiente, El Sol o El Mundo. Desde hace quince años desempeña la labor de crítico de arte en ABC Cultural. Colabora regularmente en publicaciones como Revista de Occidente o Descubrir el arte. Miembro del comité asesor del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Comisario de exposiciones de artistas como Miró, Picasso, Dalí, Cragg, David Nash, Nacho Criado, Warhol, Francis Bacon, Imi Knoebel, Julian Opie, Fernando Sinaga, Anselm Kiefer, Miquel Navarro o Bernardí Roig. Ha escrito libros como Elogio de la pereza. Notas para una estética del cansancio (1992), El texto íntimo. Kafka, Rilke, Pessoa (1993), Contra el bienalismo (2012), Mierda y catástrofe. Síndromes culturales del arte contemporáneo (2014), Estética a golpe de like (2016), Estética de la crueldad (2019), Filosofía tuitera y estética columnista (2019) o Cuidado y peligro de sí (2021).

Artista multidisciplinar (Granada 1997) Graduada en Bellas Artes por la Universidad de Granada y Máster en Producción artística por la Universidad de Málaga. Primer premio BMW de Pintura arte digital 2022 y residente de la XXI promoción de la fundación Antonio Gala. Ha participado en diversas exposiciones entre las que figuran Hypergarden en el Festival Lux de artes lumínicas de La Térmica en Málaga por su décimo aniversario o Hipermateria.scd en Proyector, festival de imágen en movimiento en Madrid.

La obra de Irene abarca los nuevos medios con especial atención en el 3D. En su práctica artística investiga sobre las relaciones que surgen en la intersección e hibridación de espacios materiales y virtuales donde lo escultórico convive con la pantalla utilizando técnicas como la fotogrametría, la impresión en 3D, soldadura de hierro o animación 3D. Su preocupación sobre el presente virtual más inmediato pone el foco en la construcción y percepción del espacio, el error y la consciencia.

Nacida en Francia y basada en Madrid, esta creativa new media trabaja en el ámbito de la realidad aumentada, explorando las posibilidades de la tecnología y cómo puede alterar y mejorar nuestras percepciones de la realidad. Sus trabajos personales cuestionan nuestro futuro y nuestras identidades digitales.

Johanna Jaskowska trabaja en el ámbito de la realidad aumentada, explorando las posibilidades de la tecnología y cómo puede alterar y mejorar nuestra percepción de la realidad. Basándose en tecnología punta, se inspira en los ricos mundos del cine, la fotografía, la belleza y los conceptos de futuro e identidad.

El alcance de su visión única es enorme. Impulsada por la curiosidad y una creatividad inquieta, Johanna Jaskowska sigue mirando hacia el futuro y trabajando a la vanguardia de las nuevas tecnologías emergentes.

Doctora en Historia y Artes por la Universidad de Granada. Licenciada en Historia del
Arte por la Universidad Autónoma de Madrid. Especialista en mercado de arte
contemporáneo y en gestión artística y cultural, docencia e investigación desde hace
treinta años, actividad que comenzó en la Frick Art Reference Library de Nueva York.
Es miembro de las asociaciones The International Art Market Studies Association
TIAMSA, Mujeres en las Arte Visuales MAV e Instituto de Arte Contemporáneo IAC,
del que fue presidenta entre 2020 y 2023. Forma parte de varios grupos de
investigación: el subcomité de TIAMSA Art market and collecting in Portugal, Spain
and Brazil (AMC_PSB), y Ecosistema del Arte, interuniversitario, y entre 2015 y 2018
ha contribuido también al grupo Estudios Transversales en Creación Contemporánea
de la Universidad Nebrija. Ha sido investigadora especializada en mercado del arte
en España y Portugal para las editoriales De Gruyter, Berlín, y Bloomsbury, Londres,
y ha participado como section editor en la publicación de la obra de referencia
Bloomsbury Art Markets.

Ferreiro Mederos, licenciado en Bellas Artes con especialidad en Diseño Gráfico en la Aalto School of Design de Helsinki forma parte del grupo disciplinar Boa Mistura con raíces en el graffiti nacido a finales de 2001 en Madrid. 

"Entendemos nuestro trabajo como una herramienta para transformar la ciudad y crear vínculos entre las personas. Sentimos una responsabilidad hacia la ciudad y el tiempo en el que vivimos".

Vicente Prieto Gaggero (1989) es artista visual y escultor que a través de la búsqueda y manipulación de las cualidades terrosas e irregulares de la arcilla, realiza experimentaciones que dan forma a pensamientos y emociones evocadas al contrastar nuevas metodologías con la expresión primitiva del material, construyendo objetos e imaginarios.

Mediante la conjugación de los cuatro elementos – la tierra, el agua, el aire y el fuego –, y pasando por distintos posibles estados de la materia, su trabajo atraviesa la herencia del misterio, el amor, la belleza, el asombro y los conflictos humanos contemporáneos, encontrando un lenguaje dinámico entre el pasado del material con nuevas formas y significados, inspirándose en la alfarería precolombina e incluyendo alusiones al art Nouveau, el neo-pop y el cyberpunk.

José Luis Romo (Madrid, 1983) es periodista y gestor cultural. Inició su carrera en el suplemento La Luna de Metrópoli, de EL MUNDO, cabecera en la que coordinó las secciones de Escena y Arte. En su etapa en Unidad Editorial, escribió con regularidad en las secciones de Cultura, M2, PAPEL y el suplemento La Esfera de los libros. A lo largo de su carrera como periodista también ha colaborado con publicaciones como TELVA, Shangay o Rockdelux.

Como profesional especializado en las artes escénicas, ha colaborado con instituciones como el Festival de Otoño, la Fundación Juan March, el Festival de Mérida o el Centro Dramático Nacional, donde presentó su segundo encuentro de Jornadas Plásticas sobre la luz en la escena y prologó el libro de Iñigo Guardamino, Metallica. Como docente, ha dado clase en el Máster de gestión cultural de La Fábrica.