UVNT MAHOU TALKS 2025

Lorena Pérez-Jácome Friscione estudió Comunicación y obtuvo una maestría en Literatura en Ciudad de México. 

Trabajó durante 15 años en televisión, primero como reportera y más adelante como presentadora en TV Azteca México, Telemundo en Estados Unidos y Fox Latinoamérica, siempre en el terreno de la cultura, la moda y el entretenimiento. En su faceta como escritora, se ha aproximado a la literatura infantil con la publicación del cuento Marisol, que obtuvo el Premio Nacional de cuento infantil y juvenil (México, 2017).

Desde el 2003 se ha volcado en el coleccionismo de arte contemporáneo al lado de su esposo Javier Lumbreras y juntos han creado Collegium, un centro de creación, producción e investigación de Arte contemporáneo ubicado en Arévalo, Ávila. 

Recientemente, Lorena ha retomado su carrera periodística con el vodcast "Arte en diálogo", donde entrevista a destacados personajes del arte contemporáneo semanalmente. Este proyecto es impulsado por Arteinformado, una plataforma que la Fundación Lumbreras está por relanzar, reconociendo su valor como archivo de arte contemporáneo iberoamericano.

Luisa Espino es la Responsable del Centro de residencias artísticas de Matadero Madrid. Ha sido la jefa de la sección de arte de El Cultural entre 2017 y 2024 y responsable de las exposiciones internacionales del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo entre 2008 y 2013. Antes trabajó como gestora cultural en la Galería Elba Benítez (2006-2008) y en el Centro Cultural Español de Miami (AECID, 2004-2006). Entre sus proyectos curatoriales encontramos las exposiciones 24/7. Conectados (CentroCentro, 2017), Andrea Canepa. La verdad está en otra parte (DA2, 2017), Andreas Fogarasi. Vídeo (a3bandas, 2015), People Have the Power (La Casa Encendida, 2013), Ai Weiwei. Resistencia y tradición (CAAC, 2013) y PROYECTO HABITAR. Cuando quienes crean ciudades son arquitectos improvisados (en itinerancia por la Red de Centros Culturales AECID en Miami, México DF, Montevideo y Antigua Guatemala, 2009-2010). Su línea de investigación se interesa por los temas relacionados con el espacio público y las transformaciones de la ciudad y la sociedad contemporánea.

Jefa de arte de El Cultural. Escritora y crítica de arte desde 2013. XXXVII Premio Xerais de Novela con Coidadora, II Premio CGAC de Investigación y Ensayo sobre Arte Contemporáneo con Tigres en magnolias. La magia como transformación en el arte contemporáneo. Licenciada en Humanidades en Universidad de Navarra y Bellas Artes en Universidad de Barcelona, Máster en Museología, Crítica y Comisariado por la Universidad de Santiago de Compostela, doctora sobresaliente cum laude en Bellas Artes, en la especialidad de escultura, con una tesis titulada "Keywords: el retorno al texto como práctica artística en la era de la hipertrofia visual: la escritura como producción de subjetividad, campo expandido y espacio de intersección (2006-2015).

Ha colaborado con diversas publicaciones e impartido clases magistrales en diferentes másteres artísticos. Como comisaria ha trabajado con Fundación Serralves, LABoral, Concello de Santiago, Concello de Vigo o la Ciudad de la Cultura de Galicia (Santiago de Compostela). También le han concedido varias becas de producción artística entre ellas en la escuela MASSART (Masachussetts Art College, Boston (MA, EE.UU), Facultad de Bellas Artes de Barcelona o Kulturmodell (Passau Alemania).

Después de estudiar Ciencias Políticas y Derecho, y especializarse en Relaciones Internacionales y Derecho Comunitario por el Colegio de Europa en Brujas, comenzó su trayectoria profesional en la Dirección General de Relaciones Exteriores y en el Gabinete del presidente de la Comisión Europea en Bruselas como asesor en Derecho Diplomático y Consular. 

Actualmente es director general de la empresa [sintitulo] proyectos, dedicada a actividades cuyo objetivo es aunar las distintas vertientes de la cultura y el arte en proyectos integrales, donde la comunicación pueda trascender la propia experiencia artística y estética. Entre sus ámbitos de actuación destacan el comisariado y diseño de exposiciones, así como  la dirección artística y el asesoramiento de entidades y empresas en proyectos que tienen la cultura y el arte como referente.

Además de trabajar en la conceptualización de proyectos artísticos para algunos de los Museos más importantes en España, de haber sido responsable del Premio ARCO a la Creación Artística para AUDEMARS PIGUET, Comisario de Arte para ABSOLUT, Art Advisor para CHANEL y miembro de Patronato de la Fundación Cristóbal Balenciaga, ha sido comisario y diseñador de algunas de las exposiciones más mediáticas de los últimos años, donde busca reflejar la belleza de los diálogos cómplices que se producen silenciosamente entre la fotografía, las artes plásticas y la moda.

Kiki Pertiñez Heidenreich (Venezuela, 1974) es fundadora y directora de Boom! Art Community, un ecosistema iberoamericano en Madrid que impulsa la profesionalización, visibilidad e integración de artistas latinoamericanos en España. A través de programas como PAAL, Re/emergen, Comisarias y Residencia Trasatlántica, fomenta el intercambio cultural y la revalorización del arte latinoamericano en tiempos de migración. Con un Máster en Dirección de Proyectos Culturales y una amplia trayectoria en gestión y dirección creativa, se ha consolidado como mediadora clave en el ámbito artístico. En la Feria Uvnt, sigue promoviendo el diálogo intercultural, reafirmando el poder transformador del arte en la construcción de puentes entre Latinoamérica y España.

Sergio Sancho (Madrid, 1978) dejó el mundo de la publicidad para dedicarse a su pasión por el arte, en concreto por el Nuevo Arte Contemporáneo que no contaba con una plataforma en España. Sancho puso en marcha la Feria de Arte UVNT en Madrid en 2017 como respuesta a esta falta de representación. Tras ocho ediciones celebradas anualmente en marzo, la feria se ha consolidado como un importante punto de encuentro de propuestas artísticas en este ámbito. En 2022 puso en marcha una segunda feria de arte: Contemporary Art Now (CAN Ibiza) en la isla mediterránea. 

Paralelamente, Sancho ha trabajado como agitador cultural con proyectos artísticos para marcas como Caleido, Las Rozas Village, Iberia, Swatch, Mahou, NYX Hotels, o Lexus, acercando el arte al mundo empresarial y al público en general. 

Sobre esta última edición de CAN Art Ibiza, Sergio declaró «Nuestro objetivo es mostrar lo mejor del panorama de las artes visuales de vanguardia, por eso nuestro nombre es “Contemporary Art Now”. La isla es una fuente inagotable de inspiración artística y nuestra idea es mezclar cultura, negocio y diversión. Lo que diferencia a CAN Ibiza es el trabajo de nuestro comisario invitado, que identifica e invita a una selección de galerías por su posición en la vanguardia de la escena artística internacional emergente. Mucha gente del mundo del arte parece tener algún tipo de conexión con la isla. En Ibiza, hemos contado con el apoyo de las administraciones locales, pero también del tejido cultural local, y nuestro objetivo es reforzar estas relaciones.

Licenciada en Derecho por la Universidad de Barcelona (UAB), Sonia Borrell ha cultivado una carrera que equilibra una meticulosa atención al detalle con una auténtica conexión con la humanidad.

Desde que fundó la Tryson Collection en 2008, Sonia ha dedicado su vida a descubrir talentos, fomentar la creatividad y conservar la excelencia de Japón, Corea del Sur, Indonesia, Alemania, Reino Unido, Estados Unidos, España y otros países. Su colección ha estado presente en los museos más importantes del mundo, como el Museo de Arte KYOCERA de Kioto, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza de Madrid y el Museo Novecento de Florencia.

Posee obras de los mejores artistas figurativos y contemporáneos, como Alex Katz, Takashi Murakami, Yoshitomo Nara, Jaume Plensa y Robert Nava. Con la marca Soniabblondon, está dispuesta a impulsar a la próxima generación de artistas y coleccionistas para hacer avanzar el panorama.

Como asesora de arte del Grupo Althari en Arabia Saudí, su compromiso con el arte del Reino Saudí ha sido aclamado en la revista GQ, Harper's Bazaar, Women's Herald y L'Officiel, entre otras. Su trayectoria personal refleja su misión: Los amantes del arte siguen los movimientos, los coleccionistas de arte los hacen avanzar.

Licenciado en administración de empresas en CUNEF y habiendo cursado un postgrado en Sotheby´s Institute en materia de arte antiguo, Ignacio siempre ha tenido un espíritu coleccionista. Su experiencia como asesor en materia de arte contemporáneo se remonta a hace más de 15 años.  Su pasión se traduce en investigar y viajar con la esperanza de descubrir nuevos talentos que poder compartir con su entorno y a su vez, dar con obras de grandes maestros que se encuentran fuera del circuito convencional. Su proyecto más reciente, The Roamer Project, pretende atraer talento emergente internacional para ser expuesto en espacios no convencionales con cierto carácter histórico en España y a su vez colaborar con causas benéficas locales.

Ianko López es gestor, redactor y crítico especializado en cultura y artes visuales, y con anterioridad ha trabajado en el ámbito de la consultoría. Colabora habitualmente en diversos medios de comunicación escribiendo sobre arte, diseño, arquitectura y cultura. Entre las cabeceras en las que escribe destacan El País Semanal, ICON, Babelia, Vanity Fair, Traveler y El Periódico de España.

Alejandra Tena es Licenciada en Historia del Arte por la Universidad Iberoamericana en Ciudad de México. Cuenta con 10 años de experiencia trabajando en el mercado de arte contemporáneo en México y cinco años como consultora y promotora de arte independiente.

En 2020 fundó Marchante Arte Contemporáneo, su proyecto de representación de artistas emergentes y de carreras medias, dirigido especialmente al vibrante mercado de coleccionismo joven en dicho país. A través de su plataforma itinerante, Alejandra ha gestionado más de una docena de exposiciones individuales y colectivas en México y España y ha participado en más de diez ferias de arte contemporáneo en México, Miami y ahora en Madrid. En el último lustro, Marchante Arte Contemporáneo ha formando parte de la generación que ha cimentado la tendencia en el nuevo mercado de arte en México con influencia internacional.

Es diseñadora gráfica por la Universidad Nacional de Cuyo, transitó espacios políticos diversos de militancia y gestión durante su vida académica.  Fue miembro del consejo superior y directivo de su casa de estudios, en dos oportunidades, elegida en elecciones por voto directo. 

Diplomada en Gestión Cultural e Industrias Creativas, por la Fundación Coppla. Fue parte del equipo de gestión de La Imagen Accesible, fundadora y co-coordinadora de Imagen Galería (2016 - 2018). Fue y es parte de equipos de investigación, su búsqueda abarca las fronteras y solapamientos entre las artes visuales, la política y el diseño gráfico. Estudió becada en la Universidad de Valparaíso. Se desempeña además como asesora en instituciones públicas y privadas para el desarrollo de emprendimientos y pequeñas empresas.
En 2021 funda Valerie’s Factory, galería de arte contemporáneo y actualmente representa a 18 artistas que cree necesarios para la escena actual argentina de arte. Espacio en el cual aporta la experiencia de más de 10 años de gestión de actividades culturales. Valerie´s Factory se propone como una fábrica de sueños y de agite anímico para una comunidad amplia y diversa de artistas y público general.

Christian Viveros-Fauné es un escritor, curador y excomerciante de arte radicado en Nueva York. Ha escrito para The Art Newspaper, The New Yorker, Art in America, Frieze y más, además de publicar ensayos en catálogos de arte para instituciones como Hauser & Wirth, Phaidon y el Museo Tamayo. Fue crítico de arte en The Village Voice (1998-2003) y ha editado seis libros, entre ellos Social Forms: A Short History of Art and Politics (2018).

Como curador, ha organizado exposiciones en el Pérez Art Museum Miami, USFCAM, Museo del Bronx, Fundación CorpArtes y más, además de co-curar la bienal Dublin Contemporary 2011. Ha recibido becas de la Fundación Andy Warhol, el Ministerio de Cultura de España y el Fondo Nacional de Chile, y apareció en el documental Blurred Lines (Netflix).

Ha sido profesor en Yale, Pratt y NYU, además de Kennedy Family Visiting Scholar en la Universidad del Sur de Florida, donde actualmente es curador general del USF Contemporary Art Museum.

Christian Viveros Fauné moderará dos de las charlas: "Nueva generación de galeristas latinoamericanos" y "Nueva figuración latinoamericana"

Rolankay es un artista visual e ilustrador chileno, egresado del Instituto Arcos de Santiago, con formación autodidacta en pintura. Criado en la Región de Atacama, su obra refleja influencias del desierto, la pintura japonesa del periodo Edo y Matisse, explorando tensiones psicológicas a través de colores sólidos y figuración.

Sus pinturas y dibujos presentan figuras humanas en interacción con objetos, animales y paisajes simbólicos. Ha expuesto en Isabel Croxatto Galería, Espacio Andrea Brunson, OMNI Gallery (Londres) y Sobering Galerie (París), además de publicar los libros Apariciones (2021) y Zanshin (2017).

Finalista del XV Premio MAVI UC Arte Joven 2022, su exposición Supersticiones (2022) recibió gran reconocimiento en Artsy, con sus pinturas adquiridas por coleccionistas internacionales. Paralelamente, trabaja como docente de Ilustración y director de arte en editoriales independientes en Santiago, donde vive y crea.

Rolankay viene a UVNT Art Fair 2025 representado por Isabel Croxatto Galería. 

Amanda Tejo actualmente vive y trabaja en Argentina. En su obra explora sensibilidades extraviadas y espacios incómodos. Investiga la desfamiliarización de experiencias cotidianas, revelando su faceta onírica, retratada de forma dramatizada e irónica. Le interesa la liminalidad y la opacidad narrativa, haciendo uso caprichosamente tanto de anacronismos como de la cultura pop contemporanea. Es licenciada en Artes en la Universidad Nacional de La Plata. En su formación se incluyen diversos programas y talleres. Entre ellos, el programa de formación ArtistasxArtistas, Fundación El Mirador 2020 y el Programa de formación artística de la Universidad Torcuato di Tella 2022.

 En 2021 realizo su primer muestra individual, "La fiebre de las cosas" en Galeria NN (La Plata), curada por Carlos Herrera.Desde el 2019 a la actualidad participo de varias muestras grupales, entre ellas "Pepa Mala, junto a Carrie Bencardino y Jazmin Kullock (PM Galeria, CABA), "Aeon Flux" (OhNo, CABA) , "Nunca fui a cazar", junto a Ornella Pocetti curada por Virginia Martin (Fundacion el Mirador, CABA), "CUUL" (Museo del Traje, CABA ), "La Pinacoteca Errante "( Museo Petorutti, La Plata), "Deform City Tour", Curada por Diego Bianchi (Tomas Redrado, Miami), "Mboyere", curada por Marcos Lopez (MAC, Santa Fe), "Twinks vs Dolls"curada por Delfina Bustamante (Hipopoety, CABA). En 2023 realizo dos muestras individuales: "Polilla", en el Centro de Arte de la UNLP (La Plata) y "La Trenza" (Galeria Purpura, Santa Fe).

Andrea Pacheco González es una investigadora y comisaria chilena radicada en Madrid. Su trabajo aborda memoria, identidad, diáspora y territorio. Ha sido comisaria del Pabellón de Chile en la 60ª Bienal de Venecia (2024) con Cosmonación de Valeria Montti Colque y co-comisaria de La memoria colonial en las colecciones Thyssen-Bornemisza (2024). Ha formado parte del comité de expertos del Museo Nacional de Antropología de Madrid. Entre sus proyectos destacan Déjà Vécu. Lo ya vivido (2024) de Asunción Molinos Gordo en CA2M, Geometría Emocional (2021) de Juan Castillo en Santiago, Guerra interior (2020) de Dagoberto Rodríguez en CAAM, La carne muerta nunca se abriga (2019) de Teresa Margolles en MSSA y La cosa está candela (2017) de Los Carpinteros en Bogotá. Ha comisariado exposiciones colectivas como Corazón Pulmones Hígado (2019) en Matadero Madrid. En 2025 presentará Cosmonación Modersberget en Bonniers Konsthall de Estocolmo y Latina. Mujeres, música y glamour en Casa de América. Ha sido Coordinadora de Exposiciones en MAC Quinta Normal y es profesora en la Universidad Nebrija de estudios curatoriales. 

Fietta Jarque (Lima, Perú) es periodista especializada en arte y escritora. Reside en España desde 1984, donde trabajó en Cultura y el suplemento Babelia del diario EL PAÍS hasta 2013. En 2019 coordinó por parte del Ministerio de Cultura las exposiciones del Programa Paralelo de la participación del Perú en la feria Arco en Madrid. Actualmente es editora de la revista de cultura contemporánea Ojo Dorado, publicada por el ICPNA.  Es autora de los libros Cómo piensan los artistas (FCE-Perú, 2015), Donde Dennis Hopper perdió el poncho (Seix Barral-Perú, 2021) y la novela Madame Gauguin (FCE, 2022), entre otros. 

Benedicta Badia es una activa gestora de cambios culturales, comprometida constantemente con artistas, instituciones y sistemas de mercado de arte mundial. Se relaciona con quienes están a la vanguardia del desarrollo de fórmulas innovadoras y de impacto para el cambio social. Desafía el status quo a través de miradas críticas, que influyen en el pensamiento colectivo y fomentan el cambios a través del arte. Cree que el ecosistema del arte puede desempeñar un papel crucial en la configuración de las convenciones  y el comportamiento humano, convirtiéndolo así en un territorio de interés público. Su compromiso con las artes, incluida su práctica de coleccionar arte, se ha convertido en una declaración personal en tensión con los contextos políticos actuales.

Apoya a quienes construyen puentes y celebran las diferencias. Aquellos que inician conversaciones que demandan atención. Altamente comprometida con el desarrollo de estrategias que desafíen sistemas de control societario. Desde el status quo, lo político y lo socioeconómico, la formación de la identidad, conceptos de patrimonio, la propiedad privada, a aquellos que fracturan estereotipos, privilegios, los roles de género y las estéticas dadas.

Fran Baena (Priego de Córdoba, 1999) enlaza una revisión crítica, irónica y sobre las imágenes en su paso del medio digital al físico, a través del apropiacionismo, el meme y la imagen pobre con el fin de entender las problemáticas sociales que desvelan las imágenes consumidas en la web bajo su aparente banalidad, dotándolas de un nuevo aura y enfocando una grave perspectiva política.

Estudió Bellas Artes por la Universidad de Granada y Máster en Producción Artística Interdisciplinar en la Universidad de Málaga. Ha realizado exposiciones individuales como hyperpop en el Palacio Condes de Gabia, Granada; o Fantasía Placebo en la Galería Yusto/Giner, Madrid. Participado en exposiciones colectivas como Midsommar Dance en GR Gallery, Nueva York; Jewel Quest en B4.Garage, Seúl; En todo lugar, memoria y deseo en la Fundación Rafael Botí, Córdoba; o Andalucía perpetuum mobile en Centro Cultural CajaGranada. Ha recibido premios como Premio Joven de Arte Contemporáneo del Ayto. de Granada; o el Premio Piramidón, en UVNT 2023. Realizado becas como la Fundación Antonio Gala para Jóvenes Creadores, Córdoba; o la Beca ARP de la Universidad de Málaga. Y su trabajo se encuentra en colecciones como las del Ayuntamiento de Málaga y Granada, Diputación de Segovia o la Colección de Arte Contemporáneo de la UGR. Fran Baena presentará su último trabajo con la galería Yusto / Giner en UVNT Art Fair 2025. 

Gala Knörr es una artista visual, escritora e investigadora de Vitoria-Gasteiz que trabaja principalmente con la pintura para reflexionar sobre el poder de las imágenes y su impacto en la conciencia colectiva. También ha explorado el video, la performance y la escritura en torno a la cultura popular y la construcción de imaginarios compartidos. Doctoranda en la EHU/UPV, fue otorgada la Cátedra Frank Bidart en la California State University Bakersfield (2025). Se formó en Parsons Paris, Central Saint Martins y Richmond University, además de participar en talleres con Txomin Badiola, Richard Linklater y Pedro G. Romero. Ha impartido conferencias y talleres en instituciones como la Universidad de Granada, la EHU/UPV, la Universidad de Murcia y la Saatchi Gallery. Su obra se ha exhibido en Azkuna Zentroa, C3A, el Museo Guggenheim, La Casa Encendida y Pablo’s Birthday, entre otros espacios. Ha participado en residencias en Morpho, The Solomon R. Guggenheim Museum, Tabakalera, Cité des Arts y el Centre for Postcolonial Studies en Goldsmiths University.

Lola Zoido (Zafra, Badajoz, 1994) es una artista multidisciplinar que se interesa por explorar cómo concebimos la realidad en el contexto de los procesos digitales. Titulada en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla y con base en Madrid, su enfoque artístico abarca tanto el ámbito virtual como los elementos materiales implicados en la creación de imágenes.

Su obra busca comprender las complejas relaciones que emergen cuando lo digital y lo físico convergen. Su aproximación combina una mirada analítica con una sensibilidad poética, tratando de arrojar luz sobre esta intersección. Otros temas como el paisaje, el territorio y sus elementos también aparecen de manera recurrente en su obra.

Su trabajo ha sido expuesto en diversas ocasiones, tanto a nivel nacional como internacional. Además, ha obtenido distintas becas y residencias en su trayectoria. Entre ellas algunas como residencias en el Centro de Creación Contemporánea de Andalucía, Tabakalera y el IVAM . Ha tenido también la ocasión de hacer presente su obra en lugares como ARCO, Cáceres Abierto, la AR Biennale de Dusseldorf o Untitled Miami.

Paula Santomé es una artista visual contemporánea, reconocida por su enfoque innovador en las artes plásticas y su participación activa en la escena internacional del arte. Con un Máster en Bellas Artes del Institut Kunst, HGK FHNW en Basilea, Suiza, y una licenciatura en Bellas Artes por la Universidad de Vigo, ha complementado su formación con intercambios académicos en Bruselas, Madrid y otras ciudades clave de Europa.

A lo largo de su trayectoria, ha recibido prestigiosos premios y becas, como el Kunsthalle Basel Prize (2021) y la beca de la Fundación María José Jove (2020). Sus exposiciones individuales y colectivas incluyen exhibiciones en espacios como VITRINE Gallery, Kunst Raum Riehen y Kunsthalle Basel, además de proyectos futuros en Berlín, España y Estados Unidos, consolidando su proyección internacional.

La obra de Santomé forma parte de destacadas colecciones como la Baloise Art Collection y Kunstkredit Basel-Stadt. Además, ha participado en residencias artísticas como GGG Atelierhaus en Basilea y la Academia Internacional de Verano de Salzburgo.

Artista que se define trabajando con medios escultóricos y formatos performativos de larga duración, es un claro ejemplo de nomadismo contemporáneo: desde el año 2009 Noemi ha vivido y trabajado en Grecia, Inglaterra, Bélgica, Hungría, China y Korea. Recientemente, ha sido galardonada con el el premio European Digital Deal convocado por Ars Electrónica por su proyecto “The Falling City”, así como el Premio Nacional de Grabado “Maria de Salamanca” del Museo de Grabado Español Contemporáneo y el Premio Fundación Unicaja de Artesanía. 

Su trabajo ha podido verse en el Museo Thyssen Bornemisza de Madrid, DG Connect de la Comisión Europea, iMAL Center for Digital Culture and Technologies de Bruselas, Electron Festival en Suiza, el Gimhae Clayarch Museum de Korea, el Aichi Prefectural Museum of Art en Japón, el Yingge Ceramics Museum y el MOCA de Taiwán, la LABoral Centro de Arte y Creación Industrial y la Galería Espacio Líquido de Gijón. 

Medios como el periódico ABC, Libération, China Times, Elemmental o Arte al Límite, han escrito sobre su trabajo. En 2024 tuvo su primera exposición individual “Love me Fast” en el Museo Nacional Thyssen Bornemisza de Madrid, así como en el Museo de Bellas Artes de Asturias, donde inauguró  “Landscapes of Affection” en el mes de Diciembre.

Andrea Muniáin tiene formación como arquitecta e investigadora. Su práctica se centra en las relaciones vigentes entre digitalidad, corporalidad y fisicidad. En la actualidad, el trabajo de Andrea explora, más allá de la representación digital de los cuerpos, el componente político de estas mismas representaciones. Sus investigaciones se materializan en distintas escenografías practicables, a través de las cuales crea relatos escénicos que entrelazan los espacios de lo físico y de lo virtual. Su trabajo ha recibido el apoyo de fundaciones como TBA21, Fundación La Caixa o Fundación Caja Navarra, y ha sido expuesto en instituciones como Fosun Foundation, Shanghai; Frankfurter Kunstverein, Frankfurt; en The Clemente Center, Nueva York; en La Casa Encendida, Madrid; en Centro Cultural Matadero, Madrid; entre otras. 

Como investigadora Muniáin ha formado parte del proceso pedagógico de universidades como IED Madrid, o La Escuela de Arquitectura de Alicante. Recientemente ha publicado junto a Paula Ramos Mollá el libro ‘El Giro Fotogramétrico: Truncando el 3D’ (editorial Bartlebooth), el cual despliega una investigación en torno a las implicaciones biopolíticas del escaneo tridimensional en agentes humanos y no humanos. Es a su vez responsable del comisariado técnico de la exposición Generaciones, proyecto expositivo anual de La Casa Encendida.

Daniel Muñoz inicia su carrera en los años noventa pintando murales en su localidad. En 2000 ingresa en la Facultad de Bellas Artes de la UCM, donde su obra evoluciona hacia el dibujo como herramienta central. Su trabajo, desarrollado en el espacio público, reflexiona sobre la intervención del entorno, el arte urbano y sus tensiones con el mercado y el poder institucional. Su obra fusiona referencias del turismo, la historia, la publicidad y la cultura popular, confrontando lo cotidiano con el lenguaje artístico. Ha realizado intervenciones en ciudades como Tokio, Los Ángeles, Río de Janeiro, Tánger y Roma, y expuesto en Europa, Norteamérica, Sudamérica, Asia y Oriente Medio. Participó en la 59ª Bienal de Venecia (2022) y ha exhibido en el Museo Nacional de Altamira, el BACC de Bangkok, la Galería Nacional de Arte de Ammán, el MEIAC de Badajoz, el CEART de Fuenlabrada y galerías como Walter Otero (Puerto Rico) y Luis Adelantado (Valencia). Su trabajo ha sido ampliamente divulgado en libros y publicaciones.

Pintor muralista activo desde finales de los 90, su trabajo resignifica la ciudad bajo la premisa de que la vida siempre será más interesante que el arte. Con un dibujo de líneas claras y colores sobrios, sus pinturas abordan luchas sociales, resistencia, capitalismo y problemáticas medioambientales. A menudo, sus intervenciones se presentan como gestos mínimos que alteran la realidad para revelar su belleza oculta.

Gran parte de su obra se ha desarrollado en Valencia, su ciudad natal, aunque ha realizado proyectos internacionales en contextos urbanos diversos, siempre en diálogo con el público y el entorno. Ha participado en exposiciones y eventos como Saatchi Gallery (Londres, 2023), Perrotin Shanghai (2023), Power Station (Shanghái, 2016), IVAM (Valencia, 2017), Palais de Tokyo (París, 2018) y CCCC (Valencia, 2020). También ha intervenido en la Bienal del Arte Africano Contemporáneo (Dakar, 2014), OFF Manifesta X (San Petersburgo, 2014), Dismaland de Banksy (Inglaterra, 2015) y la Bienal de Lyon (2019).

Recientemente ha publicado Los cimientos de la armonía y de la invención, un recopilatorio de su obra de los últimos 12 años.

Artista e investigador con residencia y estudio en Bilbao. Es licenciado en Bellas Artes en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad del País Vasco y actualmente desarrolla su tesis doctoral sobre “Una nueva gramática monumental”. Centra sus proyectos en propuestas atravesadas por la idea de Historia, memoria y contexto. Interesado en el desarrollo de proyectos de arte público, su trabajo propone una revisión de la mirada hacia las capas y los estratos históricos presentes en nuestros lugares comunes.

Ha participado en exposiciones colectivas en el Museo Guggenheim de Bilbao, MUSAC y Fundación Cerezales, en León; en  National Gallery of Jordan (Amán, Jordania) o en PARADISE AIR y  Koganecho Art Center ambos en Japón.

Manuel Quiroga es un profesional de Marketing con más de 17 años de experiencia en Multinacionales, destacándose en la Gestión de Marcas, equipos y Marketing de Innovación.

Actualmente lidera el portafolio de White Spirits en Pernod Ricard España, que incluye marcas líderes como Beefeater, Seagram’s y Absolut Vodka.

Su trayectoria incluye roles clave en Colgate, Kellogg’s y L’Oréal, y es Apasionado de la Música, aficionado al Cine, la Historia y el Arte. 

Julieta Wibel es una obra de arte y su vida, una performance. Toda su vida ha sido una friki de las artes, llegando a ser su único y verdadero amor. Estudió Ingeniería de Diseño Industrial donde se enamoró por completo de la Estética de las Artes, a raíz de entonces compartió sus intereses en las redes sociales lo que le llevó a trabajar en dirección creativa para artistas como Dellafuente, Veintiuno, Sofia Coll…

Julieta, como divulgadora, ha tocado temas que nos atañan a nivel generacional como es la angustia adolescente, el fast fashion, la estética de la IA y, lo mucho que está a favor de dar cringe.

Como artista, no quiere ponerse límites y todo gira en torno a la exploración de sí, de otros artistas y de una generación. Si bien, ante la sociedad del cansancio, Julieta reflexiona en proyectos personales como es HEDONISMO y la necesidad de darnos unos minutos de reflexión y hedonismo consciente dentro del ojo del huracán de esta modernidad líquida.

José Luis Carranza, destacado pintor peruano, explora la relación entre la naturaleza y la humanidad a través de una mirada apocalíptica e irreverente. Su obra más reciente, La razón dormida (2020-2023), rinde homenaje a Francisco de Goya, reinterpretando piezas clave del maestro español en óleos que subvierten la anatomía y reflejan visiones descarnadas y visionarias. Carranza, conocido por su dominio del dibujo y la pintura, combina técnica y audacia para plasmar seres deformados y paisajes caóticos, afirmando su estilo herético y libre.

Steven Guberek, Bogota 1985. Egresado de arquitectura de la universidad de los Andes. En el 2011, comienza su primer proyecto de Galeria llamado The Warehouse, en una bodega industrial del centro de Bogotá. En 2013 funda SGR consultoría de arte, en una pequeña oficina donde exhibía obras y recibía clientes. Esto rápidamente evoluciona y en el 2014 abre su primer espacio de SGR Galería. 10 años después, SGR se ha consolidado como una de las galerías más relevantes de la escena artística colombiana, promocionando la carrera de diversos artistas y con un programa expositivo vanguardista y arriesgado, participando también en ferias internacionales como Artbo, Untitled, Zona Maco, Salon Acme, Expo Chicago, Contemporary Istanbul, y otras. 

Claudia Pareja (Lima, 1985) es una psicoterapeuta y escritora peruana. En el 2016 fundó Ginsberg + Tzu, una galería de arte contemporáneo con base en Lima y Madrid, concebida como plataforma de exploración teórica y estética, dedicada a la politización intercultural.