CAN DESIGN 2026

Fundadora de Global Design & Innovation Trends Unit, es investigadora, comisaria y divulgadora especializada en diseño global conectado con movimientos sociales y culturales del siglo XXI. Trabaja entre Madrid-Milán-París. Colabora como divulgadora cultural con Poltrona Frau, Bang&Olufsen, Rimadesio, &Tradition, BTicino, Lladró, Citröen, Simon Electric, Actiu, Salone del Mobile Milano, Danish Design+. Es "Design Talents and Trends Forecaster" para Maison&Objet París y dirige la investigación “Atlas de la Cultura del Diseño en España” con el Ministerio de Cultura y Deporte y con MDF. Ha sido jurado de los Premios Nacionales de Diseño en España 23-24 y de IF Design Award Alemania e impartido clases en en Poli.Design-Politécnico de Milán, donde desarrolla el Poli.DesignTrendsLaboratory, el IE University Architecture & Design y la Universidad Nebrija.

Escribe sobre diseño para El País, ICON Design, AD, ELLE Decoration o Diseño Interior y es comisaria de exposiciones sobre nuevas narrativas del diseño y la arquitectura:

“Cosas de arquitectos”, “Biblioteca Ilustrada del diseño”, “MujerXMujer, diseño en transición” o “10Emociones, 10Rosas, creadores comprometidos contra el cáncer”.

En este momento una de las investigaciones principales en progreso es ´Sensorialidad y Diseño´, artesanía y nuevas tecnologías, con la Universidad POLI.Design Politecnico di Milano.

Alicia Framis es una artista hispanoneerlandesa que vive y trabaja en Ámsterdam y está considerada una de las figuras más importantes de Europa por su implicación social en cuestiones que afectan a las mujeres y a las minorías en la sociedad actual. Como artista, lleva a cabo intervenciones de gran escala para sacudir sistemas y convenciones. Estas intervenciones, a menudo realizadas en colaboración con la ciudadanía, pueden entenderse como esculturas sociales que combinan arte, arquitectura, diseño, indumentaria y performance. La participación del público es un componente clave en la práctica de Framis: su trabajo imagina y propone nuevas formas de vida en común.

Artista multidisciplinar, en su práctica señala y cuestiona estructuras de poder social obsoletas o desiguales y distintas formas de agravio, formulando en sus proyectos (que abarcan desde el arte de acción hasta el diseño, la arquitectura y las prendas de vestir) nuevas maneras de reclamar espacios sociales para quienes están en desventaja, pasan desapercibidos o son infravalorados en las culturas contemporáneas. Como artista, aborda de forma directa su papel dentro de la sociedad, articulando intervenciones de gran formato que ponen en cuestión sistemas económicos y estructuras sociales. Sus proyectos se leen a menudo como esculturas sociales, donde una estética muy cuidada y una fuerte convicción idealista se concretan en obras que otorgan un papel activo al espectador.

Sus proyectos se han presentado en algunos de los museos y bienales más reconocidos del mundo y forman parte de destacadas colecciones públicas y privadas internacionales. A partir de sus propias ideologías artísticas, fundó y dirigió el programa de máster The Commoners Society en el Sandberg Institute (el posgrado de la reconocida Rietveld), dedicado a repensar el papel del arte en la esfera común.

Andrés Jaque explora el diseño como un entramado de cuerpos, tecnologías y entornos. Es fundador de Office for Political Innovation (con sede en Nueva York y Madrid) y decano de la Graduate School of Architecture, Planning and Preservation de Columbia University. Entre sus reconocimientos se encuentran el Frederick Kiesler Prize for Architecture and the Arts, el León de Plata de la 14ª Bienal de Arquitectura de Venecia, el UNESCO Global Award for Sustainable Architecture y el Premio Dionisio Hernández Gil.

Es fundador de Office for Political Innovation (OFFPOLINN), un estudio de arquitectura con sede en Nueva York y Madrid. Entre sus proyectos premiados destacan Reggio School (Madrid), Babyn Yar Museum of Memory and Oblivion (Kiev), Thyssen-Bornemisza Ocean Space (Venecia), el Transspecies Palace (Milán), COSMO MoMA PS1 (Nueva York), Escaravox (Matadero Madrid), Rambla Climate-House (Molina de Segura) y RUN RUN RUN (Madrid), junto a trabajos performativos y de investigación como IKEA Disobedients, Being Silica y The Transspecies Kitchen.

La obra de Jaque forma parte de importantes colecciones internacionales, entre ellas las del MoMA y el Art Institute of Chicago, entre otras.

Jaque es comisario jefe de la 13ª Bienal de Shanghái, Bodies of Water, y co-comisario de Manifesta 12 en Palermo, The Planetary Garden. Entre sus publicaciones se encuentran Superpowers of Scale, More-Than-Human (con Marina Otero y Lucía Pietroiusti), Mies y la gata Niebla, Transmaterial Politics, PHANTOM. Mies as Rendered Society y Different Kinds of Water Pouring into a Swimming Pool.

Gaspard Fleury-Dugy es diseñador y artista visual con sede en París. Su práctica se alimenta de las técnicas textiles y del vocabulario gráfico que estas despliegan. Para él, los bucles, las puntadas y las líneas se convierten en los elementos de un lenguaje vibrante y alegre. Reconocido internacionalmente por sus esculturas de punto, también es trapecista y le gusta entender su trabajo como una sucesión de piruetas flexibles y llenas de color.

Formado en la École Duperré de París y en la Swedish School of Textiles de Borås (Suecia), desde muy pronto desarrolló un universo propio en el que máquina, tecnología digital, artesanía y pensamiento convergen. Para Gaspard Fleury-Dugy, tejer es construir. En 2021, con tan solo 22 años, destacó por su capacidad para “hackear” la máquina de tejer industrial (su “lápiz”) e inventar un nuevo lenguaje en el que el hilo se convierte en volumen, estructura y arquitectura. Sus esculturas de punto se sitúan en la encrucijada entre innovación tecnológica, excelencia artesanal e imaginación. Tras programar rigurosamente el tejido en digital, lleva a cabo después un “re-tejido” manual para llevar la pieza al volumen y transformarla en una auténtica microarquitectura textil.

Su primera colección, Soft Objects, presenta piezas tridimensionales con una identidad visual fuerte e inmediatamente reconocible. Estas esculturas de punto, de formas orgánicas y acentos futuristas, evocan al mismo tiempo antiguas ánforas, las curvas de Oscar Niemeyer, el universo gráfico del movimiento Memphis y la estética pixelada de la era digital. Los colores fluorescentes, inspirados en la indumentaria deportiva, subrayan pliegues y tensiones, dotando a cada pieza de una intensidad casi vibratoria.

Birgitte Due Madsen es artista y diseñadora y vive y trabaja en Copenhague. Su trabajo abarca desde mobiliario hecho a mano, tanto por encargo como en serie, hasta esculturas y piezas únicas. Con una atención constante y humilde hacia la funcionalidad y la calidad, a Birgitte le fascinan los proyectos prolongados en el tiempo, aquellos que le permiten examinar elementos como la materialidad y la estética y que dan margen a que la obra se desarrolle en forma abstracta antes de formalizarse.

Desde un enfoque autónomo y sin pretensiones, integra materiales como yeso, resina, hormigón o piedra y recurre a distintas técnicas para alcanzar sus ideales de diseño. Sus obras se caracterizan por una paleta cromática sutil y poética, texturas táctiles y una geometría estricta pero a la vez lúdica.

Raffaella Mangiarotti es arquitecta y diseñadora con sede en Milán. Licenciada en Arquitectura y doctora en Diseño Ambiental, es investigadora en el Politecnico di Milano. Tras colaborar con Marco Zanuso y Francesco Trabucco, cofundó el estudio deepdesign junto a Matteo Bazzicalupo, desarrollando productos innovadores para producción en serie. En 2010 fundó Studio Raffaella Mangiarotti, especializado en diseño de mobiliario, dirección de arte, showrooms y stands expositivos para marcas internacionales.

Varios de sus diseños se han exhibido en museos y forman parte de colecciones permanentes, incluido el MoMA, y han recibido importantes premios internacionales. De 2017 a 2024 ejerció como Embajadora del Diseño Italiano en el mundo.

Sisan Lee (n. 1995) explora el límite en el que se encuentran lo natural y lo artificial. Moviéndose entre entornos urbanos y paisajes naturales, refleja en su obra tanto el orden estructural de la industria como las experiencias sensoriales de la naturaleza.

Recolectando materiales como piedra, madera y metal en contextos naturales e industriales, examina la tensión relacional entre sus cualidades contrapuestas mediante la experimentación escultórica, estrechando o ensanchando la distancia entre ellos.

Estas investigaciones se materializan en formas que abarcan el espacio, el mobiliario y la escultura, construyendo escenas en las que el orden industrial convive con las imperfecciones de la naturaleza.

Nacida en España en 1989, Luz Moreno Pinart es una artista plástica cuyo trabajo sitúa la fibra y el arte textil en el centro de una investigación sobre la estructura, la memoria y el territorio. Graduada en la École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs de París (ENSAD), consolidó su lenguaje artístico durante siete años de colaboración con Sheila Hicks, donde desarrolló una sensibilidad única hacia la arquitectura del hilo y la tridimensionalidad del tejido.

Su práctica se define por una exploración táctil y matérica, donde el textil actúa como un organismo vivo capaz de absorber y revelar historias invisibles. A través de técnicas que van desde el tejido estructural hasta el uso de tintes experimentales y fibras salvajes —como la ortiga o el lino—, Luz construye instalaciones que dialogan con el espacio y la naturaleza. Su enfoque hibrida el saber hacer artesanal con una visión contemporánea, transformando el gesto de tejer en una herramienta de comprensión del entorno.

Laureada en la prestigiosa Villa Kujoyama de Kioto en 2019, profundizó allí en la nobleza de las fibras naturales y en la poética de los gestos ancestrales, integrando la paciencia y el ritmo del crecimiento orgánico en su proceso creativo. Su trabajo ha sido presentado en instituciones de renombre como la Fondation Carmignac, la Abbaye de Maubuisson y el Centre Tignous, así como en la Milan Design Week, consolidándose como una voz relevante en la intersección entre el arte textil, la escultura y el diseño sensorial.

©Fotos - Martin Argyroglo

Loumi Le Floc’h es Diseñadora de materiales

Nació en el suroeste de Francia, en pleno entorno natural exuberante, y creció rodeada de las texturas del mundo vivo. Formada en la École nationale supérieure des arts visuels de La Cambre (Bruselas) y posteriormente en la Weissensee Kunsthochschule de Berlín, ha desarrollado un lenguaje singular en el que los materiales revelan paisajes que cualquiera puede hacer suyos.

Recientemente se ha instalado en Ateliers Zaventem, un laboratorio experimental donde se reúnen diseñadores con especializaciones sorprendentes y de vanguardia, para continuar su investigación sobre materiales derivados de organismos vivos. Su única línea de investigación es Precious Peels, una colección en la que pieles de berenjena se transforman en superficies translúcidas y preciosas que recuerdan a vitrales orgánicos. Mediante un sutil juego de reacciones químicas, extrae gamas profundas, desde rojos brillantes hasta marrones aterciopelados y azules intensos, como si la luz misma bailara sobre la superficie.

Lionel Jadot es mucho más que un diseñador: es un agitador que construye mundos nuevos a partir de las ruinas de los antiguos. Desde hace más de tres décadas, recopila fragmentos (objetos desechados, materiales olvidados, restos de otras vidas) y los transforma en una práctica que desborda cualquier categoría: arquitecto, artista, artesano, provocador. Su trabajo rechaza la producción en masa, la lógica del marketing y la obediencia estética. Nacido en una estirpe de artesanos pero guiado por el instinto, Jadot se niega a seguir reglas, porque las reglas forman parte del problema. Sus creaciones son manifiestos físicos: confrontaciones, collages de memoria y desperdicio, anclados en la crudeza honesta de los materiales.

En la era del Antropoceno (cuando los seres humanos se han convertido en la fuerza dominante del planeta), la obra de Jadot se lee como una forma de rebelión: contra el consumismo desbocado, contra la amnesia, contra el mito de que lo nuevo es siempre mejor. No diseña para las tendencias. Diseña para despertar conciencias. Sin plantillas. Sin disculpas. Solo libertad, fricción e imaginación radical.

Belén Moneo (Madrid, 1965) es arquitecta y socia fundadora de Moneo Brock.

Estudió en la Universidad de Harvard, donde cursó las diplomaturas de Historia del Arte y Artes Visuales hasta graduarse en 1988 Magna Cum Laude.

En 1991 obtuvo el Máster de Arquitectura en la GSAPP, Universidad de Arquitectura, Urbanismo y Restauración de la Universidad de Columbia en Nueva York.

Comenzó su actividad académica como profesora en la Universidad de Columbia enseñando allí a alumnos de grado del New York / Paris Program en los periodos (1998-2001) y (2010-2011). Desde 2014 es profesora de Análisis de la Arquitectura en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid, además fue coordinadora de conferencias y actividades culturales de la ETSAM en 2017-19.

Actualmente forma parte de varias asociaciones como AMMDE, WIRES y WAS, a través de las cuales promueve la sostenibilidad, y de varios grupos de movilidad como BICIMATRIX, que tratan con administraciones y entidades publicas para conseguir una red de movilidad activa y sostenible. En su último artículo “Nos gusta la calle” publicado en El País, defiende que el espacio público pertenece a los peatones.

Junto a Jeff Brock formaron Moneo Brock en 1993 en Nueva York, cuando colaboraron profesionalmente por primera vez en la realización de un loft en Tribeca y allí estuvieron trabajando durante una década. Manteniendo los lazos con Nueva York, el estudio abrió su oficina principal en Madrid en 2002, cuando comenzaron a trabajar en el proyecto de las Termas del Balneario de Panticosa.

Como diseñadora, su trabajo ha sido expuesto en galerías, ferias e instituciones, como Zona MACO en México, la Bienal Iberoamericana, la embajada de España en Japón o la galería Rossana Orlandi en Milán.

Sus diseños se caracterizan por su interés en la estética y en las artes plásticas, aproximándose al diseño desde distintos aspectos: plasticidad, geometría, material, luz, transparencia y color. Además de la inevitable influencia de su educación en la arquitectura, les gusta explorar las estructuras, el ensamblaje y la eficacia constructiva.

Belén desarrolla sus proyectos de una manera versátil, afrontando los retos con nuevas soluciones y leguajes.

 

Lluís Alexandre Casanovas Blanco (Ripoll, Girona, 1985) es arquitecto, comisario y crítico. Es doctor por la Universidad de Princeton. Actualmente, es comisario del proyecto Museu Habitat, una iniciativa de la Generalitat de Catalunya liderada por Manuel Borja-Villel, y responsable del itinerario de espacios de BAU, Centre Universitari d’Arts i Disseny de Barcelona. Entre 2021 y 2024, fue el comisario de arquitectura del Departamento de Colecciones del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, donde se encargó de diseñar el plan estratégico de colecciones para arquitectura y diseño, además de colaborar con el Área de Educación en diferentes visitas guiadas.

Casanovas Blanco combina su trabajo como arquitecto con la curadoría y los proyectos culturales. En 2016, fue comisario general de la Oslo Architecture Triennale junto con la After Belonging Agency. Ha formado parte del equipo curatorial de Niño de Elche. Auto Sacramental Invisible (2020-2021) y de Vasos Comunicantes. Colección: 1881-2021 (2021) en el Museo Reina Sofía. Entre otras exposiciones, ha sido comisario de Un Piano Preparado en La Casa Encendida (2023), Lo Animal en España (2024) en la Fundación Cerezales, León, y Val del Omar: Una técnica con T mayúscula (2024) en el C3A de Córdoba.

Cristina Domínguez Lucas y Fernando Hernández-Gil Ruano, licenciados por la ETSAM, formamos desde 2008 Lucas y Hernández – Gil Arquitectos. Trabajamos en proyectos de arquitectura, interiorismo y diseño de mobiliario, este último a través de nuestra marca Kresta Design. Buscamos un punto de vista diferente, con una mezcla de curiosidad, intuición y oficio. Nos identificamos con el trabajo impregnado de juego, del “ Artesano “ que define Richard Sennett. Tratamos de hacer espacios claros con atmósferas luminosas y cálidas. Un ambiente equilibrado pero vivo y fresco a la vez.

Huimos de los diseños cerrados y excesivos. Nos gusta rodearnos de las posibilidades que ofrece cada situación, para llegar a la solución mas directa y eficaz. Nuestra intención es hacer un marco, un tablero de juego que el usuario pueda apropiarse. Jugamos con la expresividad de la luz y el material, valoramos las texturas derivadas de la construcción y la impronta de la mano. Nuestro objetivo es descubrir una historia en cada proyecto, donde todas las piezas encajen.