CAN MAHOU TALKS 2026

Es una protagonista indiscutible de la escena internacional del arte urbano, una de las muy pocas mujeres en el mundo que han practicado arte no autorizado en el espacio público y, sin duda, la más precoz en España.

Estudió Arquitectura de Interiores en la Universidad Politécnica de Madrid y Bellas Artes en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid. Comenzó su trayectoria artística a finales de los años noventa, centrada exclusivamente en intervenciones ilegales en la calle, tendiendo puentes entre espacio, contexto y forma. Su estética parte de la abstracción geométrica y de metamorfosis naturales que trascienden la simple intervención furtiva para comunicarse en un plano más universal.

También ha expuesto en numerosas galerías comerciales y ferias de arte, desde su debut en ARCO 05 hasta Seúl en 2024. Su obra se ha mostrado en instituciones internacionales como la Tate Modern de Londres, la Fundació Joan Miró de Barcelona, El Matadero de Madrid, Le Pilori en Niort, la Fundació Pilar i Joan Miró en Mallorca, el Museo de Arte Contemporáneo de Johannesburgo y, más recientemente, en un proyecto colateral de la Bienal de Venecia en 2022.

Vive y trabaja en Madrid.

Paco Pomet (Granada, 1970) es un pintor español que combina la pintura y la fotografía para crear obras que perturban al espectador con guiños al cómic, el cine, la televisión y la animación. Aunque algunas de sus obras son humorísticas, la mayoría utiliza el humor y la ironía para transmitir una intención crítica y comprometida con las contradicciones y sinrazones de nuestro mundo actual. La pintura de Pomet es heredera de la antigua tradición en el arte occidental en la que el realismo se convierte en una espada de doble filo, donde lo creíble es el punto de partida desde el cual se llega a una distorsión significativa que sacude al espectador. Pomet utiliza la fotografía como punto de partida para enfatizar la noción de realismo que luego es desmantelada por elementos discordantes introducidos en la escena. Estos elementos apuntan a la crisis lingüística que define la cultura occidental. La apropiación de la historia y de elementos distorsionadores se convierte en una práctica crítica que aborda nuestro tiempo, estigmatizado por el nihilismo y el descrédito. Los elementos distorsionadores más característicos de la obra de Pomet incluyen la hipérbole, la personificación, la metáfora, la distorsión de escala, la descontextualización, el absurdo y lo grotesco. En resumen, la obra de Pomet busca refrescar, revisar y examinar lo aprendido y lo heredado, y alimentar una ingenuidad activa que invite a mirarlo todo de nuevo con ojos limpios y una transparencia que cuestione ataduras visuales, deudas estéticas, dogmas y asignaturas aprobadas.

Ana Barriga (España, 1984) vive y trabaja en Madrid. Es licenciada en Bellas Artes por la Facultad de Bellas Artes de Sevilla. Anteriormente cursó estudios de Técnico Superior en Aplicación del Arte a la Piedra en Sevilla. Ana Barriga trabaja con técnicas mixtas, utilizando óleo, esmalte, rotulador y spray, que utiliza como acto vandálico hacia sus propios cuadros, sello distintivo de toda su obra. En su obra trata temas trascendentales como la vida, la muerte, el amor, el sexo o las relaciones humanas. Toda su obra sigue un proceso idéntico en su búsqueda del equilibrio entre emoción y razón: rescata objetos estéticamente lúdicos o simpáticos e interviene sobre ellos recontextualizándolos y cristalizándolos a través de su proceso creativo. El resultado: una estética viva y colorista que complementa la relación entre la imagen definitiva y el título de la obra, a menudo elocuentemente puntuada y marcada por la ironía.

Sergio Sancho (Madrid, 1978) dejó el mundo de la publicidad, donde era directivo, para dedicarse a su pasión, el arte. Y, más concretamente, el Nuevo Arte Contemporáneo que no tenía una plataforma de difusión en nuestro país. Creó CAN Art Fair Madrid (Antes Urvanity) como respuesta a esta carencia. Tras 10 ediciones, la feria madrileña que se celebra en marzo, se ha consolidado como el punto de encuentro en torno a estas propuestas artísticas. Cinco años más tarde, creó CAN Art Fair Ibiza. En paralelo, Sancho ha ejercido como agitador cultural con proyectos artísticos para firmas como Caleido, Las Rozas Village, Iberia, Swatch, Mahou, NYX Hoteles... acercando el arte al mundo de la empresa y al público general.

Su vida era demasiado aburrida con su trabajo de economista y auditor de cuentas. Para hacerlo más soportable, desde los ochenta cultiva su sensibilidad artística, fundamentalmente en el arte contemporáneo internacional. 

En este campo, preside la Fundación MER de la que es fundador junto a sus padres Elena Rueda Rodríguez y Marcos Martín Blanco.   En la actualidad, trabaja para la visibilidad de la Casa MER y en seguir manteniendo la colección actual, con nuevas adquisiciones.  Es socio de la Asociación de Coleccionistas de Arte Contemporáneo 9915.

Carmen Corbera es la creadora y presentadora del podcast El Mundo del Arte, lanzado en marzo de 2022 y del que actualmente prepara su novena temporada. 

Es una profesional del sector con una trayectoria que abarca tanto el ámbito institucional como el mercado del arte. Ha desarrollado su carrera en Sotheby’s Londres, el Museu Picasso de Barcelona y como coordinadora general de la Colección Casacuberta Marsans, lo que le ha aportado una visión integral y transversal del sector. Actualmente es responsable del departamento de Arte y Cultura de Grupo Hotusa.

Se formó en la Universitat Pompeu Fabra y en The Courtauld Institute of Art de Londres.

Pep Antón Clua Monreal (Corbera d’Ebre, Tarragona, 1960) Licenciado en Bellas Artes en la Facultad Sant Jordi de la Universidad Central de Barcelona. Co-director de Galería silvestre desde el 2014 hasta la actualidad, con dos sedes, Tarragona y Madrid, ampliando su espacio para instalarse definitivamente solo en Madrid en 2017.

Cofundadora, socia y abogada de NIAL ART Boutique Law Firm (www.nial.es), despacho de

referencia altamente especializado en el mercado del arte y sus principales agentes.

Formada a nivel nacional e internacional y con una trayectoria profesional de más de treinta años de experiencia, combina un conocimiento excepcional del sector con una profunda comprensión de las necesidades de artistas, coleccionistas, galeristas, comerciantes, museos, casas de subastas, fundaciones y otros actores clave.

Actúa como asesora legal, entre otros, del Consorcio de Galerías de Arte de España y del Gremio de Galerías de Arte de Cataluña así como de destacados artistas, galerías, fundaciones y coleccionistas de arte españoles.

Es conferenciante, divulgadora, consultora y profesora en diversas instituciones y universidades en materia de derecho del arte como la Universidad de Barcelona, la Universidad Carlos III de Madrid y la Universidad Internacional de Cataluña.

Sus logros profesionales la han consolidado como una de las abogadas más reconocidas en derecho de las artes visuales en España, con prestigio y presencia internacional.

Sebas Velasco lleva dibujando desde niño, pero fue en 2004 cuando comenzó a pintar en las paredes de su ciudad natal. Más tarde se mudó a Bilbao, donde se licenció en Bellas Artes especializado en pintura. Tras cursar estudios superiores de Ilustración en la escuela Massana de Barcelona, es seleccionado como residente en la Fundación Antonio Gala para Jóvenes Creadores de Córdoba. Concluye sus estudios con un Máster en Pintura, en la Universidad del País Vasco UPV.

Su trabajo como pintor ha sido reconocido por diversos galardones como el primer premio en el certamen Climent Muncunill para Jóvenes Artistas de Manresa, la selección para La Muestra Itinerante de Artes Visuales Ertibil Bizkaia 2015 o un Accésit y una Mención de Honor en el premio AXA Catedral de Burgos y expuesto individual y colectivamente en galerías y museos de Europa, China y Estados Unidos.

Ha participado en becas y cursos como la de Paisaje de la Academia de San Quirce en Segovia o la Cátedra extraordinaria de Albacete, impartida por Antonio López.

De manera paralela a su trabajo en el estudio, desde el año 2004 ha mantenido una continua actividad en la calle, que le ha llevado a pintar murales en ciudades dentro y fuera de Europa.

Nacido en Croacia (Rijeka, 1978), Saša Bogojev vive y trabaja en los Países Bajos. A lo largo de los años, ha colaborado con diversas publicaciones internacionales, contribuyendo a numerosos libros de artistas, revistas, textos de exposiciones, etc. Bogojev es conocido sobre todo por su labor como comisario y por su larga relación con la revista Juxtapoz, de la que ha sido redactor colaborador y corresponsal en Europa durante muchos años. Desde sus inicios en 2022, ha comisariado las cuatro primeras ediciones de CAN Art Fair Ibiza.

David Barro es director de Es Baluard Museu d’Art Contemporani de Palma de Mallorca y codirector de Biennal B. Con una amplia experiencia en gestión, ha desarrollado una trayectoria ligada al universo del arte contemporáneo y del diseño, como comisario de exposiciones, como editor, como escritor y como director artístico.

Ha sido director gerente de la Fundación DIDAC (Santiago de Compostela), de la Fundación Luis Seoane (A Coruña) y asesor de la Fundación Barrié como responsable de su Colección de Pintura Contemporánea Internacional. También fue el director artístico de eventos como el Festival de Acción Artística Sostenible SOS 4.8 de Murcia; Look Up! Natural Porto Art Show en Oporto; o la feria Espacio Atlántico en Vigo. En 2023 fue comisario del país invitado de la Porto Design Biennale y ha sido codirector de las cuatro primeras ediciones de Plataforma. Festival de Artes Performativas en Santiago de Compostela, del que es fundador con la Cooperativa Performa. De 2020 a 2023 ejerció como director artístico de MadBlue, el summit de cultura, ciencia e innovación para el desarrollo sostenible de Madrid, distinguido como acontecimiento de excepcional interés público por el Gobierno de España. De 2018 a 2024 ejerció de consultor estratégico de la Agencia Gallega de Innovación (Xunta de Galicia), como asesor del Programa de Diseño para la Innovación y la Sostenibilidad 2024 para incorporar el diseño y los procesos artísticos al mundo de la empresa.

Como comisario de exposiciones ha realizado más de una centena de muestras colectivas e individuales de reconocidos artistas como Joan Miró, Jannis Kounellis, Julião Sarmento, Jessica Stockholder, Axel Hütte, Alex Katz, Günther Förg, Sandra Cinto, Julian Opie, Fernanda Fragateiro, Caio Reisewitz, Markus Linnenbrink o Berta Cáccamo. También ha programado como director de diversas instituciones exposiciones de artistas como Ángela de la Cruz, Valérie Jouve, Eugenio Dittborn, Ângela Ferreira o Fiona Rae.

Licenciado en Historia del Arte por la Universidad Autónoma de Madrid, es Director de Infinito Delicias desde enero de 2026. Ha sido Codirector de Interfaz, Consultoría especializada en Cultura y dedicada al asesoramiento de entidades públicas de 2020 a 2026.

De enero de 2020 a octubre de 2023 ha sido Comisario Residente del Centro de Cultura Contemporánea Condeduque en Madrid. De septiembre de 2015 a septiembre de 2019 fue Asesor de Arte de la Consejería de Cultura, Turismo y Deportes de la Comunidad de Madrid. Anteriormente fue Fundador y Director de la plataforma independiente de proyectos culturales Hablar en arte, así como Coordinador General de PHotoEspaña, festival internacional de fotografía.

Entre las exposiciones que ha comisariado destacan: “El agua diluye mis palabras”, muestra individual de Olivia Funes (Las Cigarreras, Alicante, 2025); “Happy: Ensayos sobre la obra de Jorge Pineda”, junto al equipo curatorial del Centro León de República Dominicana (Centro Arte Complutense, Madrid, 2024); “Toda devoción causa ira”, muestra individual de Liza Ambrossio (Sala Amós Salvador, Logroño, 2023); “Bajo la superficie (miedos, monstruos, sombras)” (Centro de Cultura Contemporánea Conde Duque, Madrid, 2020-2021).

Blanca de la Torre es directora del IVAM, Instituto Valenciano de Arte Moderno.

Es Doctora en Bellas Artes, Licenciada en Historia del Arte y Máster en Diseño de Espacios Expositivos, con una extensa trayectoria en el comisariado de exposiciones, la investigación, la gestión cultural y la dirección de proyectos.

Ha ocupado el cargo de Comisaria Jefa tanto de la Bienal de Helsinki, Finlandia como de la 15 Bienal Internacional de Cuenca, Ecuador y lleva más de dos décadas trabajando en el ámbito del arte contemporáneo con museos e instituciones artísticas en Europa, Estados Unidos, Asia y América Latina. Ha formado parte de comités asesores de instituciones, organizaciones y colecciones, tanto públicas como privadas, en el ámbito nacional e internacional y publicado más de un centenar de textos en medios especializados y participa regularmente en conferencias, simposios, jurados y eventos teóricos.

Nacida en España en 1989, Luz Moreno Pinart es una artista plástica cuyo trabajo sitúa la fibra y el arte textil en el centro de una investigación sobre la estructura, la memoria y el territorio. Graduada en la École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs de París (ENSAD), consolidó su lenguaje artístico durante siete años de colaboración con Sheila Hicks, donde desarrolló una sensibilidad única hacia la arquitectura del hilo y la tridimensionalidad del tejido.

Su práctica se define por una exploración táctil y matérica, donde el textil actúa como un organismo vivo capaz de absorber y revelar historias invisibles. A través de técnicas que van desde el tejido estructural hasta el uso de tintes experimentales y fibras salvajes —como la ortiga o el lino—, Luz construye instalaciones que dialogan con el espacio y la naturaleza. Su enfoque hibrida el saber hacer artesanal con una visión contemporánea, transformando el gesto de tejer en una herramienta de comprensión del entorno.

©Foto - Martin Argyroglo

Lluís Alexandre Casanovas Blanco (Ripoll, Girona, 1985) es arquitecto, comisario y crítico. Es doctor por la Universidad de Princeton. Actualmente, es comisario del proyecto Museu Habitat, una iniciativa de la Generalitat de Catalunya liderada por Manuel Borja-Villel, y responsable del itinerario de espacios de BAU, Centre Universitari d’Arts i Disseny de Barcelona. Entre 2021 y 2024, fue el comisario de arquitectura del Departamento de Colecciones del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, donde se encargó de diseñar el plan estratégico de colecciones para arquitectura y diseño, además de colaborar con el Área de Educación en diferentes visitas guiadas.

Casanovas Blanco combina su trabajo como arquitecto con la curadoría y los proyectos culturales. En 2016, fue comisario general de la Oslo Architecture Triennale junto con la After Belonging Agency. Ha formado parte del equipo curatorial de Niño de Elche. Auto Sacramental Invisible (2020-2021) y de Vasos Comunicantes. Colección: 1881-2021 (2021) en el Museo Reina Sofía. Entre otras exposiciones, ha sido comisario de Un Piano Preparado en La Casa Encendida (2023), Lo Animal en España (2024) en la Fundación Cerezales, León, y Val del Omar: Una técnica con T mayúscula (2024) en el C3A de Córdoba.

Gaspard Fleury-Dugy es diseñador y artista visual con sede en París. Su práctica se alimenta de las técnicas textiles y del vocabulario gráfico que estas despliegan. Para él, los bucles, las puntadas y las líneas se convierten en los elementos de un lenguaje vibrante y alegre. Reconocido internacionalmente por sus esculturas de punto, también es trapecista y le gusta entender su trabajo como una sucesión de piruetas flexibles y llenas de color.

Formado en la École Duperré de París y en la Swedish School of Textiles de Borås (Suecia), desde muy pronto desarrolló un universo propio en el que máquina, tecnología digital, artesanía y pensamiento convergen. Para Gaspard Fleury-Dugy, tejer es construir. En 2021, con tan solo 22 años, destacó por su capacidad para “hackear” la máquina de tejer industrial (su “lápiz”) e inventar un nuevo lenguaje en el que el hilo se convierte en volumen, estructura y arquitectura. Sus esculturas de punto se sitúan en la encrucijada entre innovación tecnológica, excelencia artesanal e imaginación. Tras programar rigurosamente el tejido en digital, lleva a cabo después un “re-tejido” manual para llevar la pieza al volumen y transformarla en una auténtica microarquitectura textil.

Su primera colección, Soft Objects, presenta piezas tridimensionales con una identidad visual fuerte e inmediatamente reconocible. Estas esculturas de punto, de formas orgánicas y acentos futuristas, evocan al mismo tiempo antiguas ánforas, las curvas de Oscar Niemeyer, el universo gráfico del movimiento Memphis y la estética pixelada de la era digital. Los colores fluorescentes, inspirados en la indumentaria deportiva, subrayan pliegues y tensiones, dotando a cada pieza de una intensidad casi vibratoria.

Fundadora de Global Design & Innovation Trends Unit, es investigadora, comisaria y divulgadora especializada en diseño global conectado con movimientos sociales y culturales del siglo XXI. Trabaja entre Madrid-Milán-París. Colabora como divulgadora cultural con Poltrona Frau, Bang&Olufsen, Rimadesio, &Tradition, BTicino, Lladró, Citröen, Simon Electric, Actiu, Salone del Mobile Milano, Danish Design+. Es "Design Talents and Trends Forecaster" para Maison&Objet París y dirige la investigación “Atlas de la Cultura del Diseño en España” con el Ministerio de Cultura y Deporte y con MDF. Ha sido jurado de los Premios Nacionales de Diseño en España 23-24 y de IF Design Award Alemania e impartido clases en en Poli.Design-Politécnico de Milán, donde desarrolla el Poli.DesignTrendsLaboratory, el IE University Architecture & Design y la Universidad Nebrija.

Escribe sobre diseño para El País, ICON Design, AD, ELLE Decoration o Diseño Interior y es comisaria de exposiciones sobre nuevas narrativas del diseño y la arquitectura:

“Cosas de arquitectos”, “Biblioteca Ilustrada del diseño”, “MujerXMujer, diseño en transición” o “10Emociones, 10Rosas, creadores comprometidos contra el cáncer”.

En este momento una de las investigaciones principales en progreso es ´Sensorialidad y Diseño´, artesanía y nuevas tecnologías, con la Universidad POLI.Design Politecnico di Milano.

Ela Fidalgo (Palma de Mallorca, 1993) ha desarrollado un lenguaje único utilizando telas y bordados mezclados con acrílico y ceras. Fidalgo da forma a emociones que se manifiestan desde su universo lleno de preguntas sobre el comportamiento humano, más allá de los dominios de la vida y el pensamiento cotidianos. Dedica todos sus procesos a cuidar del individuo, sus reacciones y comportamientos.

Su investigación nos invita a reflexionar sobre lo que significa ser humano, en cuerpo, alma y esencia. Alejada de técnicas académicas, predomina en su universo el arte figurativo con toques naïf, creando falsos collages detrás de los cuales el cuerpo es el gran protagonista.

Abraza la imperfección porque, para la artista, la imperfección demuestra creatividad. Lo perfecto no crece, se estanca.

Natalia López de la Oliva Mena es una pintora cuyo trabajo contiene la ambigüedad intuitiva del que observa el mundo desde la ventana de la cocina. Graduada en Bellas Artes por la Facultad de Bellas Artes de Cuenca, España, esta artista, desarrolla un expresionismo antropomorfo donde las imágenes y sensaciones se deshacen en la plenitud del lienzo. Desde una narrativa honesta, su pintura es el vehículo para transmitir su particular visión y comprensión del mundo.

Es arquitecto por la Universidad Politécnica de Madrid. Con 24 años expuso por primera vez en la feria ARCO. Desde entonces ha desarrollado una carrera artística multidisciplinar y expuesto en diversas ferias, museos y galerías como Artesantander, el CEART y Arniches 26. Asimismo, ha realizado exposiciones y residencias en países como Cuba o México.

En sus instalaciones convergen el dibujo, la pintura y, fundamentalmente, la escultura. A través de estos medios desarrolla investigaciones experimentales que, partiendo de un lugar, un hecho histórico o una conexión con la historia del arte, construyen toda una ficción creativa.

En su producción destacan sus esculturas metálicas de malla, similares a apariciones etéreas, donde la pintura adquiere volumen para flotar en el espacio.

En la Fundación desarrollará distintos elementos escenográficos para tragedias de Séneca a partir de objetos del museo arqueológico y la pintura de Julio Romero de Torres.

Mauro Agustín Cruz (1991) Mar del Plata. Hace un breve paso por la Facultad de Bellas Artes de La Plata, en el año 2013 y regresa a su ciudad natal donde participa del taller “Todo es Escultura” dictado por Juan José Souto. Ya en 2014 junto a Nahuel Agüero, funda “Le Putit Galerie”, primera galería de Arte Joven de Mar del Plata. 

Su primera muestra individual fue “Respeto Ironía” en Le Putit Galerie (2014). Otras exhibiciones que acumula en sus años de trabajo activo son; “La Cabida Eterna”, Foyer del Auditórium de Mar del Plata (2015); “Colección Privada”, Moria Galería, CABA (2016); Muestra colectiva “Post Dial Up” en el Centro Cultural Recoleta (curada por Seba Acampante, 2016). Junto a MOTP participó de Arte BA FOCUS La Boca (2016); “Paisajismo, Chauvin continuo”, Auditórium de Mar del Plata (2018); “Bueno, hay otras maneras”, Moria Galería (2018). En el año 2017 realizó la Residencia para Artistas en URRA junto a Max Gómez Canle para la exhibición “Fulminante” en La Casa de las Culturas en Tigre. En 2019 fue seleccionado por el FNA (Fondo Nacional de las Artes de Argentina) para exponer en la Casa Nacional del Bicentenario y fue becado por el Club TRI (Mar del Plata) para dar un seminario intensivo de Pintura al Aire Libre. 

Juana González (Puertollano, 1972) licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid (2005).
Desarrolla su trabajo en el terreno de la pintura y el dibujo.
Sus pinturas son puestas en escena de composición barroca, con un lenguaje que camina entre el surrealismo y el expresionismo dentro de la figuración narrativa.

Cada obra es una batalla y búsqueda de equilibrio entre la figuración y la pintura en sí misma, sin limitarse a lo representado, dando protagonismo al color, la pincelada, a la presencia de la pintura como elemento poderoso.
Su obra ha sido mostrada en diferentes espacios institucionales como la Sala Robayera (Cantabria), el Centro de Arte Alcobendas, el Instituto Cervantes (Múnich), la Iglesia Santa Catalina de Badajoz , el Museo de la Universidad de Alicante o el Musée des Beaux-Arts de La Chaux-de-Fonds en Suiza.

Ha sido reconocida con el premio al Mejor Artista Español en la feria ARCO 2025 por la Revista Artepuntoes del Instituto de Arte Contemporáneo (IAC), el XXXIV Premio Lopez Villaseñor de Artes Plásticas (2025), la mención honorífica de los Premios ABC de Pintura y Fotografía (2003), los Encuentros de Arte Contemporáneo del Instituto Alicantino de Cultura Juan Gil-Albert (2012), entre otros.

Ha participado en distintas ferias de arte nacionales e internacionales como ARCO, UNTITLED, PINTA (Miami), Estampa, Urvanity, JustMad, Drawing Room y Arte Santander. Su obra forma parte de colecciones como Colección Solo, Colección Oliva Arauna, Colección Gobierno de Cantabria, KELLS Art Collection, Museo de Arte Contemporáneo MMAC Ayto Madrid, Fundación Studiolo, entre otras.

Joaquín Jesús Sánchez es crítico de arte, escritor y comisario independiente. Licenciado en Filosofía y máster en Hª del Arte Contemporáneo, escribe en ArtForum, FlashArt, infoLibre, El Cultural, elDiario.es y otras publicaciones nacionales e internacionales. Recientemente ha comisariado Una distancia insalvable (Fundación Cerezales), Tratado General del Mundo (ICAS, Espacio Santa Clara) y Embustes y maravillas, representaciones inverosímiles de ‘lo otro’ (AECID, Casa de Iberoamérica, Cádiz). Es autor de numerosos ensayos de catálogo y mantiene una discreta e intermitente labor docente.

Marcella Ciacci panameña, posee una trayectoria polifacética que entrelaza historia, emprendimiento y una profunda sensibilidad artística. Graduada en Historia e Italiano por la Universidad de Georgetown y formada en The Ethel Walker School, en Connecticut, ha construido su particular visión del mundo a partir de una vida internacional marcada por un continuo ir y venir entre países y por haber residido en ciudades como Washington D.C., Nueva York, Milán y Madrid, antes de establecer su residencia actual en Menorca.

Su recorrido profesional abarca desde el ámbito diplomático, con un paso por la Embajada de Italia en Madrid, hasta el emprendimiento con éxito en los sectores de viajes y la gastronomía, como fundadora de Ida y Vuelta Viajes y de los reconocidos restaurantes Minabo y Micono en Madrid, habiendo sido Minabo especialmente valorado por su propuesta innovadora y poco convencional en la escena gastronómica de Madrid.

Ianko López es gestor, redactor y crítico especializado en cultura y artes visuales, y con anterioridad ha trabajado en el ámbito de la consultoría. Colabora habitualmente en diversos medios de comunicación escribiendo sobre arte, diseño, arquitectura y cultura. Entre las cabeceras en las que escribe destacan El País Semanal, ICON, Babelia, Vanity Fair, Traveler y El Periódico de España.

Socia Fundadora de Schader & Zubillaga Fine Art. Tras sus estudios universitarios en EEUU, Alexandra comenzó su carrera profesional en 1992 en Sotheby’s Nueva York donde trabajó en el departamento de Arte Latinoamericano. Tras 5 años en NY regresó a Madrid, entrando a trabajar en la Galería Marlborough en 1997. Durante sus años en la galería, Alexandra colaboró diariamente con los artistas representados. Nombrada co-Directora en 2004, trabajó para promocionarlos tanto en España como a nivel internacional.

En 2005 Alexandra volvió a Sotheby’s, uniéndose al equipo en Madrid como Directora de los departamentos de Arte Moderno y Contemporáneo de Sotheby’s España. En sus 20 años en Sotheby’s España, Alexandra ha podido vivir grandes cambios y etapas en el mercado del arte, tanto aquí como en los principales centros internacionales del mercado.

En 2025 deja Sotheby’s para crear, junto a su socia Aurora Zubillaga, la asesoría  independiente Schader & Zubillaga Fine Art, dedicada a asesorar a sus clientes en la compra y venta de obras de arte y a ayudar en todos los aspectos relacionados con colecciones privadas, corporativas e institucionales.

Alexandra conoce a fondo el mercado de arte Contemporáneo y Moderno en España y ha trabajado durante más de 2 décadas con equipos internacionales en Nueva York, Londres, Paris y Hong Kong para poder ofrecer y asesorar a coleccionistas e instituciones en España en un amplio abanico de obras de arte.

Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza y con un Máster en Mercado del Arte y Tasación, trabaja como comisaria independiente, gestora cultural y crítica de arte en ABC Cultural. Sus proyectos multidisciplinares están abiertos a una gran variedad de intereses, destacando temáticas filosóficas relacionadas con las identidades disidentes, los feminismos, saberes esotéricos y espiritualidad. Gran activadora de relaciones con diversos agentes artísticos, atesora una amplia experiencia en el ámbito privado e institucional.  Actualmente itinera dos exposiciones colectivas a nivel internacional: “Portales a lo desconocido” con el Instituto Cervantes y “El ojo desarmado” con AECID (Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo).  

Entre sus últimas exposiciones cabe destacar: “Limbo. Enrique Radigales” en el IAACC de Zaragoza; “Insight. Rachel Valdes” en la galería Jordi Mayoral de Barcelona;  “Afectos fugaces. Jesús Madriñán” en La Térmica, Málaga; “Expedientes X. La verdad está ahí dentro” DA2 Museo Domus Artium de Salamanca ;“El otro idioma. India Toctli” en la Sala Maruja Mallo del Ayuntamiento de Las Rozas; “Pulsión de colapso. Olalla G.Valdericeda y Ramón Mateos” ARCO 2025 y Freijó Gallery, Madrid; “Espacios y vulnerabilidad” en el Museo de Teruel; “1, 2…¡Acción!” Itinerancia por la Comunidad de Madrid; “Huellas circulares” en ARCO 2024; “Enhebrar el vacío” en Galería de Arte a Ciegas; “Crisálida” Museo de Genalguacil; “Algo, nada, siempre. Vari Caramés” en Canal de Isabel II (Madrid); “Jaam rek” de Paula Anta en la galería Daniel Cuevas (Madrid); “Primum non Nocere” de Romina Rivero en El Almacén (Lanzarote) y “El juego de lo inesperado” de Montserrat Gómez de Osuna, en Mac Florencio de la Fuente (Cuenca). Ha dirigido ciclos de conferencias, performance, cursos de comisariado y talleres y es guionista colaboradora en Metrópolis RTVE.

Nombrada por Forbes como una de las 40 mejores futuristas de España en 2021, Francesca Tur Serra analiza el contexto y los ahoras desde diferentes ópticas: el medio, la investigación creativa y la docencia. Desde la comunicación, radiografía la contemporaneidad en Tendencias.tv www.tendencias.tv, medio que empezó junto amigos en 2006 y que ahora funciona como espacio online que amplifica voces, proyectos y propuestas emergentes. Desde la investigación creativa colabora con proyectos, empresas e iniciativas en el asesoramiento estratégico creativo de futuros. Su espacio de exploración es Hacking the World https://hackingtheworld.life/ desde donde se cuestiona el momento presente. Ha publicado el libro “Resilent Retail: Nuevas miradas, nuevas perspectivas” junto a Berta Segura para Comertia. Desde la docencia, co-dirige el Máster de Creación de marcas de Moda en EsDesign y es profesora invitada en diferentes escuelas. Publica en diferentes medios y fue la especialista de tendencias en el programa TIPS de RTVE. Es mentora e inversora en proyectos incipientes, fan del talento joven y mezlar “las ganas con las canas”, ibicenca y feliz.

Joel Blanco es un artista y diseñador cuya práctica abarca las artes visuales, el diseño y la investigación. Su obra explora visiones alternativas del futuro, la construcción de significado a través de sistemas simbólicos y el papel del diseño en la configuración de imaginarios ideológicos y estéticos. A través de la escultura, los medios digitales y la escritura, investiga cómo la narrativa, la cultura visual y la tecnología se intersectan en la producción de poder e identidad.

Su trabajo está influido por la cultura de medios, los flujos de información en red y las transformaciones de la percepción del tiempo en la era digital. Interroga las formas en que los lenguajes visuales del presente se contaminan de pasado y de proyecciones de futuro, especialmente en contextos institucionales y culturales.

En 2025, durante una residencia en la Real Academia de España en Roma, desarrolló una investigación centrada en la estética imperial, la masculinidad y la persistencia del simbolismo clásico en la cultura occidental contemporánea.

Es director curatorial de MAYRIT, una bienal para prácticas de diseño crítico, e investigador en The New Centre for Research & Practice.

Colabora como consultor estratégico con instituciones y organizaciones, desarrollando metodologías de diseño especulativo y visualización de futuros para facilitar procesos de reflexión y toma de decisiones en contextos de alta complejidad cultural y tecnológica.

Licenciada en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid, ha trabajado en el campo de las exposiciones y de sus publicaciones para diversas instituciones como la Fundación la Caixa en Madrid, la Calcografía Nacional de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, el Centro Cultural Conde Duque o la Junta de Castilla y León. En la actualidad forma parte del equipo de Exposiciones de la Fundación Juan March, donde dirige proyectos expositivos y sus correspondientes publicaciones, formando parte del equipo curatorial de, entre otras, Wyndham Lewis, 1882-1957 (2010), La isla del tesoro. Arte británico de Holbein a Hockney (2012), El gusto moderno. Art déco en París, 1910-1935 (2015), William Morris y compañía: el movimiento Arts and Crafts en Gran Bretaña (2017), Genealogías del arte, o la historia del arte como arte visual (2019), Detente, instante. Una historia de la fotografía (2022) o Lo tienes que ver. La autonomía del color en el arte abstracto (2025).